В света на изкуството има огромен брой произведения, които шокираха целия свят и, нарушавайки обичайните стереотипи, оставиха сериозна следа в историята. Създателите на световноизвестни шедьоври на живописта отправиха уникално предизвикателство към обществото, което промени представата си за красота и измести установените граници. Тъй като в историята на изкуството има много такива революционни произведения и е невъзможно да бъдат обхванати всички, решихме да обърнем внимание на 10-те най-известни картини на художници от различни векове.
Мона Лиза (Джоконда) - Леонардо да Винчи
Мона Лиза
Картината „Мона Лиза“ („Джоконда“) на Леонардо да Винчи е може би най-известната творба на гения. Тази картина е наистина красива и безценна. Намира се в музея Лувър. Шедьовърът е създаден през 1514 - 1515 г. Доскоро се предполагаше, че картината е нарисувана по-рано - през 1503 година.
Картината изобразява съпругата на търговец на коприна от Флоренция, Франческо дел Джоконда, Лиза Герардини, така че първо италианците, а след това французите започнаха да наричат картината „Джоконда“. Известният историк от 16-ти век Джорджо Вазари беше възхитен от портрета и в книгата си „Животът на изтъкнати италиански архитекти, скулптори и художници“ го нарече съкратена версия на думата madonna („милейди“) - Мона Лиза.
В процеса на работа върху картината художникът чрез внимателна композиция, мека гама от тонове и живописни техники постигна онази хармония, благодарение на която виждаме образа сякаш през невидима мъгла. Това леко покритие покрива малките детайли, омекотява очертанията и създава невидим преход между форма и цветове. Леонардо да Винчи даде много на нашето въображение, така че Джоконда не спира да учудва ценителите на изкуството през вековете, гледайки ни от портрета като живи.
Картината е много трудна за описване с думи: колкото по-дълго зрителят я гледа, толкова повече го въздейства. Той се пропива от неговия магнетизъм и започва да усеща онова примамливо очарование, което не е преставало да пленява хората по целия свят от векове.
Черен квадрат - Казимир Малевич
Картината на Казимир Малевич „Черен супрематичен квадрат“, нарисувана през 1915 г., все още остава едно от най-скандалните, известни и обсъждани произведения в руското изкуство. Този шедьовър е част от поредицата от супрематични творби на художника, която включва и картините „Черен кръг“ и „Черен кръст“. В този цикъл Малевич се опитва да изследва основните цветови и композиционни възможности.
Платното е представено под формата на малко платно с ширина и дължина 79,5 сантиметра. Основният фон на творбата е бял, в центъра има изображение на голям черен квадрат. Според художника той е работил върху платното няколко месеца.
Заслужава да се отбележи, че Малевич не стигна до рисуването на картината веднага. Работата по декорите на операта „Победа над слънцето“ беше предвестник на появата му. По-специално, майсторът реши да замени една от декорациите (слънцето) с черен квадрат. Според идеята на художника тази техника ще му помогне да предаде идеята за триумфа на човешкото творчество над природата.
Критиците реагираха двусмислено на тази работа на Малевич. Някои от тях дори твърдяха, че картината е съвременна алтернатива на иконите, че картината свидетелства за търсенето на някаква нова религия, за хаоса на света. Според самия художник „Черен квадрат” е своеобразен символ на върха на изкуството и същевременно неговия край.
Безспорно е, че картината изобразява мистериозна бездна, която пленява и дава безкраен полет на въображението.
Автопортрет с корона от тръни и колибри - Фрида Кало
Известната картина на мексиканската художничка Фрида Кало, Автопортрет с корона от тръни и колибри, е нарисувана през 1940 г. Този автопортрет на брилянтна жена изразява силната душевна болка, която е изпитала след развода със съпруга си, художника Диего Ривера. Тази болка е предадена под формата на шипове, които завързват врата й. Впоследствие, след като се раздели със съпруга си, Фрида Кало каза: „Имаше два инцидента в живота ми“, каза Фрида. - Първият е трамвай, вторият е Диего. Второто е по-лошо."
Викът - Едвард Мунк
Картината "Викът" на норвежкия художник експресионист Едвард Мунк е създадена между 1893 и 1910 г. Първото нещо, което хваща окото ви, е фигурата на крещящ мъж, изобразен в центъра на платното. На лицето, изкривено от ужас, зрителят вижда безгранично отчаяние на ръба на лудостта. Художникът предаде мощни човешки емоции, използвайки доста прости средства.
„Викът” е символ на експресионизма, своеобразна прелюдия към изкуството на 20 век. Творбите на Мунк и днес са едни от най-необикновените и мистериозни в световната живопис. Някои експерти дори предполагат, че сюжетът на произведението е плод на нездравословното въображение на психично болен човек.
Зрителите също го виждат различно: някои го олицетворяват с предчувствие за бедствие, други смятат, че авторът е нарисувал картината, вдъхновен от образа на мумия. Всеки вижда нещо различно в нея.
Момиче с перлена обица - Ян Вермеер
Известната творба на холандския художник Ян Вермеер „Момиче с перлена обица“ („Момиче в тюрбан“) често се нарича холандската Мона Лиза. Картината е нарисувана около 1665 г. Малко се знае за тази картина. Има няколко версии за това кой е изобразен на картината, дали авторът я е рисувал по поръчка и кой е клиентът. Според една от тях Вермеер е изобразил дъщеря си Мери върху платното.
Определено това е необичайна творба, с уникална динамика. Художникът предаде в творбата момента, в който гледачката обръща глава и поглежда човека, когото току-що е забелязала. Авторът насочи вниманието на зрителя към перлената обеца в ухото на момичето. Майсторът успя да предаде връзката между младата жена и художника. Фигурата й живее отделен живот, а главата й гледа в другата посока.
Автопортрет с отрязано ухо и лула - Винсент Ван Гог
Холандският и френски художник Винсент ван Гог рисува своя прочут „Автопортрет с отрязано ухо и лула“ през 1889 г., докато е в Арл. Художникът пострада психично заболяванепоради засиленото му възприемане на реалността и психическа неуравновесеност.
Портретът е нарисуван, след като Ван Гог в пристъп на лудост отряза ушната си мида след кавга с Гоген заради творчески различия. Първо Ван Гог хвърли чаша по главата на художника, след което се втурна към него с бръснач. Същата вечер той се самоосакати.
След като разгледахме снимката, ще забележим, че фонът е разделен на две равни части: долната зона е червена, горната зона е оранжева с жълти петна. Авторът се е изобразил с изкривени черти на лицето и изгубен поглед.
Тайната вечеря - Салвадор Дали
Известният майстор на сюрреализма Салвадор Дали създава своята „Тайната вечеря” през 1955 г. Картината е във Вашингтон национална галерия. Художникът рисува това произведение, използвайки сложни техники, използвайки фотографски материали. Картината изобразява традиционен сюжет, предаден от футуристична гледна точка.
Дали изобразява Исус Христос и неговите последователи, събрани на една маса. Творбата отразява и контрастира ярко с известната картина на Леонардо да Винчи. На платното на Дали обаче обстановката и героите са различни, изобразени с минимализъм и автентичност.
Картината предава на зрителя вид морално послание. Работата е изпълнена със светлина и лекота. От прозорците, изобразени на него, виждаме невероятно красив пейзаж с ясно синьо небе и сребристи планински вериги.
Олимпия - Едуард Мане
Олимпия - Едуард Мане
Картината "Олимпия" е нарисувана от френския импресионист Едуард Мане през 1863 г. Тя с право заема почетно място до други шедьоври на световната живопис.
Въпреки това през 1865 г. в Парижкия салон избухна силен скандал заради тази работа. Факт е, че преди Мане голите жени са били изобразявани в картините като стандарт за духовна красота. И тази работа на Мане беше призната за физически грозна и покварена. По морални причини на художниците беше позволено да изобразяват голи само героини от древни митове, исторически или библейски личности. Докато импресионистът наруши това правило.
Неговата Олимпия била сбъркана с представителка на „най-древната професия“, която току-що получила букет от любимия си. Обществото също не прие името на картината, тъй като корумпираните жени бяха наречени това име и обидни подигравки валяха върху художника.
Дора Маар с котка - Пабло Пикасо
Дора Маар с котка
Една от най-скъпите картини в света, „Дора Маар с котка“ на Пабло Пикасо, е нарисувана от художника през 1941 г. На нея е изобразена любовницата на художника Дора Маар, седнала на стол с малка котка на рамото.
В почти всички картини на Пикасо Дора изглежда страховито, това се обяснява с факта, че са рисувани в труден период от връзката им. Освен това Световна войнаостави своя отпечатък върху живота и творчеството на испанския майстор. Връзката между Дора Маар и Пабло Пикасо в никакъв случай не е романтична, а по-скоро съюз на две творчески личности.
В творбата „Дора Маар с котка“ художникът подчерта остротата на ноктите чрез образа на черна котка.
Едно: номер 31 - Джаксън Полок
В края на 40-те години на миналия век американският художник Джаксън Полок изобретява нова техника в рисуването – той рисува върху големи платна, поставяйки ги на пода. Неговите картини са създадени чрез пръскане на боя от четките му, той не ги докосва до платното.
Когато работи върху картините си, той използва пръчки, лъжички, ножове и налива боя или смесва боя с пясък и счупено стъкло.
Пейзажът се счита за един от най-търсените и много популярни жанрове. Маслените пейзажи представляват голям интерес както за обикновените зрители, така и за професионалните колекционери. Красивите маслени пейзажи имат отчетливо свойство и дори известна способност да създават хармонична и уютна среда в дома. Очевидно, заедно с други обстоятелства и нюанси, този фактор играе много важна роля в любовта към маслените картини.
Пейзажът изразява мирогледа на художника, стремящ се с всички сили да улови природата само в един момент. Достойните, талантливи художници могат да направят това. Да вземем за пример художника от Санкт Петербург Дмитрий Кустанович и неговите, изпълнени в най-добрите традиции на съвременния импресионизъм или природни пейзажи в маслоКитайски художник Hong Leung, чиято работа ще разгледаме малко по-късно в тази статия.
Казват, че простотата е съвършенство. Именно този постулат е добре приложим към най-сложната форма на изкуството – маслената живопис. В края на краищата, художникът не само трябва да рисува платното с талант и свобода, но, преди всичко, да види в обикновеното и простото цялата същност, чието име е красотата. Техника маслена живопискогато се използва умело, той чудесно предава богатството на цветовете и разнообразието от форми. Пейзажите в масла дават на зрителя цялата красота на нашата цивилизация. Цената на такива произведения е безценна, но реално погледнато, те често се купуват от колекционери за значителни суми.
Ако погледнете изкуството и творчеството като цяло, тогава логично какво е то? Какво стана ?! Те са просто определени парчета вискозна течност, пръснати върху плоско платно, да. Но, разбирате ли, това определение е напълно неуместно, примитивно и глупаво, защото, съзерцавайки художествените творения, усещаме движение в душата, изпитваме емоции и ако имаме шедьовър пред себе си, тогава плачем и се радваме на него. в същото време, намирайки се в състояние на здравословно вътрешно вълнение, въодушевление. Несъмнено всичко това е философия, приложима в живота като цяло, но все пак ми се искаше да го прекарам през призмата на творчеството, пейзажите, рисувани с маслени бои...
Hong Leung е самоук художник, който създава маслени пейзажи с пълно отсъствиерамки, от най-чисти цветове, поддавайки се на свободата в движението на четката. Можете дори да кажете, че пейзажите на автора не са написани, а изпяти от сърце. Вглеждайки се в творбите на китайския художник, малко по малко започвате да се удавите в абстракцията и нейната дълбочина. В картините му личи увереност и вътрешна сила. Определено се забелязва, че той знае какво прави... Всеки от нас има право да прецени степента на своята правота.
Още на 19-годишна възраст Хонг Леунг започва да осъществява мечтата си. Пред очите си видя върха и нищо друго. Мечтата му се сбъдва, той става професионален художник, един от най-големите неоимпресионисти.
Още в първите етапи от артистичната си кариера талантът на младия мъж е признат от много колекционери и критици в Хонконг. Въпреки факта, че Hong Leung е самоук художник, той е избран за член на художествени общества и училища. Малко по малко маслените пейзажи на китайския художник получават всеобщо признание. Картините на автора участваха в големи изложби в Канада, Япония, Австралия, Калифорния и други страни по света.
Hong Leung не беше затворен в себе си, което послужи като добро творческо поле за двамата му сина. Те също станаха артисти, достойни продължители на делото на баща си.
Момчета, влагаме душата си в сайта. Благодаря ти за това
че откривате тази красота. Благодаря за вдъхновението и настръхването.
Присъединете се към нас FacebookИ Във връзка с
Европейските художници започват да използват маслена боя през 15 век и оттогава тя се използва за създаването на най-известните картини на всички времена. Но в тези високотехнологични дни маслото все още запазва своя чар и мистерия, а художниците продължават да изобретяват нови техники, разкъсвайки матрицата на парчета и разширявайки границите на модерното изкуство.
уебсайтизбра творби, които ни възхитиха и ни накараха да си припомним, че красотата може да се роди във всяка епоха.
Собственикът на невероятно умение, полската художничка Юстина Копания, в своите експресивни, широки творби, успя да запази прозрачността на мъглата, лекотата на платното и гладкото люлеене на кораба върху вълните.
Нейните картини удивляват със своята дълбочина, обем, богатство, а текстурата е такава, че е невъзможно да откъснете очи от тях.
Художник примитивист от Минск Валентин Губаревне гони слава и просто прави това, което обича. Творчеството му е невероятно популярно в чужбина, но почти непознато за неговите сънародници. В средата на 90-те французите се влюбиха в ежедневните му скици и подписаха договор с художника за 16 години. Картините, които, изглежда, трябва да бъдат разбираеми само за нас, носители на „скромния чар на неразвития социализъм“, се харесаха на европейската публика и започнаха изложби в Швейцария, Германия, Великобритания и други страни.
Сергей Маршенников е на 41 години. Живее в Санкт Петербург и работи в най-добрите традиции на класическата руска школа за реалистичен портрет. Героините на неговите платна са жени, които са нежни и беззащитни в своята полуголота. Много от най-известните картини изобразяват музата и съпругата на художника Наталия.
В съвременната ера на изображения с висока разделителна способност и възхода на хиперреализма, работата на Филип Барлоу веднага привлича вниманието. Но от зрителя се изисква известно усилие, за да се принуди да погледне размазаните силуети и ярките петна върху платната на автора. Вероятно така хората, страдащи от късогледство, виждат света без очила и контактни лещи.
Картината на Лоран Парселие е удивителен свят, в който няма нито тъга, нито униние. Няма да намерите мрачни и дъждовни снимки от него. Платната му съдържат много светлина, въздух и ярки цветове, които художникът нанася с характерни, разпознаваеми щрихи. Това създава усещането, че картините са изтъкани от хиляди слънчеви лъчи.
Американският художник Джеръми Ман рисува динамични портрети на модерен метрополис с масло върху дървени панели. „Абстрактни форми, линии, контраст на светли и тъмни петна - всичко това създава картина, която предизвиква усещането, което човек изпитва в тълпата и суматохата на града, но също така може да изрази спокойствието, което се намира, когато съзерцаваш тиха красота“, казва художникът.
В картините на британския художник Нийл Симон нищо не е такова, каквото изглежда на пръв поглед. „За мен светът около мен е поредица от крехки и постоянно променящи се форми, сенки и граници“, казва Саймън. И в неговите картини всичко е наистина илюзорно и взаимосвързано. Границите се размиват, а историите преливат една в друга.
Роденият в Италия съвременен американски художник Джоузеф Лорасо (
В света или кой е най-забележителният артист във Вселената, може да се продължи безкрай. По такива въпроси е трудно да се постигне обективна оценка. В крайна сметка всеки разбира живописта и възприема нейната красота по свой начин. Шедьоврите на известни художници остават дълбоко в паметта и радват човечеството от векове. Някои от тях отиват на чук в частни ръце, а други са в световноизвестни музеи. Красиви есенни пейзажи, зашеметяващи портрети и натюрморти, както и произведения в стила на историческата и жанровата живопис пленяват душите на хиляди почитатели на изкуството.
Шедьоври на 15 век
„Троицата“, нарисувана от Андрей Рубльов през 1425-1427 г., може да се нарече най-красивата картина в света не само сред произведенията на изкуството, но и сред известните руски икони. Днес нейното местоположение е Държавната Третяковска галерия в Москва. създадена от майстор, изглежда като вертикална дъска. При царете Иван Грозни, Борис Годунов и Михаил Федорович картината е покрита със скъпоценни камъни, злато и сребро.
Картината в перфектна художествена форма, без да нарушава теологичните концепции, изобразява три ангела, символизиращи хармонията и единството. Тяхното великолепие, композиционно разположение и очарованието на одеждите създават цялостната красота на иконата.
За шедьовър на Ренесанса с право може да се счита картината "Раждането на Венера", нарисувана от Сандро Ботичели през 1486 г. Тя изобразява в целия си блясък мита за раждането на Афродита, носеща се в отворена черупка, движена от светлина полъх. Западният вятър Зефир, заедно със съпругата си Хлорис, духа върху черупката, образувайки въздушни течения, пълни с цветя. На брега една от грациите очаква разголената богиня на любовта.
Известни произведения на живописта от 16 век
Фреската на Микеланджело за Сътворението на Адам, създадена през 1511 г., също може да се квалифицира като "най-красивата картина в света".
Творението е посветено на сцени от Книгата Битие и се е превърнало в символ на западноевропейското изкуство. Картината изобразява Адам, с отлична физика, неподвижен, докато Бог се приближава, реещ се в небесата и заобиколен от ангели. Всемогъщият се приближава до Своето творение, за да му вдъхне живот. Днес това произведение се съхранява във Ватикана в Сикстинската капела.
В Дрезден, в Галерията на старите майстори, има картина на Сикстинската Мадона, нарисувана през 1512 г. от Рафаел Санти. Първоначално изглежда, че има облаци на заден план, но ако се вгледате внимателно, можете да видите глави на ангели. Зрителят получава впечатлението, че Мадона се спуска при него от небето, гледайки право в очите му. Двете ангелчета в долната част на снимката много често се изобразяват на различни плакати и пощенски картички в наши дни.
Произведения на Леонардо да Винчи
Картини на известни художници Винсент Ван Гог, Салвадор Дали, Пабло Пикасо, Пол Сезан, Питър Пол Рубенс и Леонардо да Винчи могат да се считат за необикновени по красота, както и едни от най-скъпите. Творбите на последния карат не само ценителите на изкуството, но и обикновените съзерцатели да намират очарование във всичко.
Една от необикновените картини на Да Винчи се счита за „Тайната вечеря“, която той създава около три години. В тази фреска фигурите на Христос и Юда са от особено значение. Интересен факте, че гледачът на тези изображения се оказа един и същ човек. Първоначално майсторът рисува Христос от млад певец, а няколко години по-късно възрастен от пиянство мъж служи като модел за образа на Юда.
Милиони хора се възхищават на шедьовъра „Мона Лиза“ всеки ден, той се съхранява в Париж в Лувъра. Мистериозната усмивка на мадам Джоконда, с която е нарисуван портретът през 1503 г., продължава да очарова зрителя и днес.
Картини на Караваджо
Човек не може да пренебрегне произведенията на италианския художник Микеланджело Мериси да Караваджо. Картините на майстора показват радостите от живота и насладата от плодовете, дадени на човека от природата. Това са и „Млад мъж с кошница с плодове“, и „Млад мъж с гущер“, и „Лютнист“, и „Мария Магдалена“.
Художникът рисува и сцени на насилие и жестокост. В годините 1595-1956 той създава картини, които изобразяват истинско варварство. Това са произведения като "Юдит и Олоферн".
Титлата „Най-красивата картина в света“ заслужава и картина, наречена „Преображението на Св. Павел“, написана през бързо решение. Художникът не използва чернови и веднага прехвърля цялото си вдъхновение върху платното. Създателят на световните шедьоври успя да създаде специално, неестествено осветление в картините си, което помогна да се добави драматизъм към картината.
Красиви есенни пейзажи
Природните феномени, отразени от художниците в техните произведения, дават на зрителя специално чувство на възхищение. Цъфтящи ливади, снежнобели зимни полета, величествени планини, цветни дъги, морски залези ви позволяват да се насладите на природната красота. Платната на японския художник, известен като Пан Моси, очароват с есенния бунт от цветове.
Пейзажи от падащи листа и жълти дървета също са рисувани от самоукия австралийски художник Греъм Геркен. „Русия е страна на пейзажи“ – така смятаха много руски художници. Гледки на есенната природа са изобразени на платна от такива художници като Иван Шишкин и Иван Айвазовски, Исак Левитан и много от техните творби могат да претендират за титлата „Най-красивата картина в света“.
