20 век: от авангарда към постмодернизма." title="(!LANG:Руска живопис 20 век: от авангарда до постмодернизма.">!}
20-ти век е време на катаклизми, луда серия от епохи. Изглежда невъзможно да имате време да оставите един удар на четката, но не ... Както и преди, посоката на рисуване стана модерна и отиде в забрава.
Началото на века - търсене на нови форми, идеи. Възникват, развиват се и изчезват авангардът, супермодернизмът, абстракционизмът, социалистическият реализъм. Природата влиза в интериора на стаята, а натюрмортът излиза на открито. 20
век - това е времето на Борис Кустодиев, Казимир Малевич, Константин Юон, Федор Решетников.
И така, руският авангард. Едно начало.
Самото понятие "авангард" означава напредничав, иновативен, разкъсващ всички връзки с миналото. Руски авангард 20
век е обобщение на радикалните течения в изкуството. Тогава той имаше различни имена и направления: футуризъм, модернизъм, ново или ляво изкуство, абстракционизъм, конструктивизъм, суперматизъм. Бунтът в изкуството започва след първата руска революция, предвоенните години 1914
- постепенен разцвет, а зрялост - първото десетилетие след революцията.
Руският авангард се обединява от следните характеристики:
пълно, кардинално отхвърляне на културното минало;
комбинация от два принципа: разрушителен и съзидателен. Агресия, революция, желание да се разчупят старите представи за художествените ценности, за образа на света, човека и кипящата творческа енергия, желанието да се създаде нещо ново не само в живописта, но и във всички сфери на живота.
Говорейки за авангарда, си струва да споменем Василий Кандински. В творчеството си нач 20
век - това е античността, комбинация от руска, немска модерност и някои руски народни щампи ("Пъстър живот", "Песен на Волга"). В годините на войната и революцията Кандински създава картини от различни стилове. Малко по-късно - "Бял овал" (1920) - символично-абстрактно платно, където овалът е отдалечено подобен на сърце, изпълнено с абстрактни фигури, където оста се откроява. Рисува доста реалистични пейзажи - „Москва. Площад Зубовская” (1916) и пейзажи, малко далеч от реалността – „Москва. Червен площад (1916).
Сред авангардните движения се открояват суперматизмът и неговият двусмислен представител и теоретик Казимир Малевич. Какво означава суперматизъм? В дефиницията на Малевич суперматизмът е крайният стадий на изкуството, безпредметността, отклонението от извънхудожественото. И за първи път той прилага термина по отношение на платна с геометрични абстракции („Черен кръст“, „Черен квадрат“ на бял фон). Така че името е присвоено на такива картини, въпреки че художникът обозначава супематизъм и по-специфични форми, например картини с фигури на хора.
Революцията се състоя. Авангардизмът преживява години на катаклизми и стига до упадък и в руската живопис 20
век започва нов етап. В бъдещия трудов живот трябва да се утвърди нова естетика на изобразителното изкуство. И този стил носи име, съответстващо на името на новата епоха - социалистически реализъм. Възникна не сред артистите, а сред политиците.
„Истинското изобразяване на действителността“, както искаше партията, трябваше да бъде подпомогнато от ориентация към традициите на академичната живопис. Стилът имаше свои собствени характеристики:
· героизмът на борците за революция, водачи, дейци, ръководещи народните маси;
Реализмът предполага необходимостта от възпроизвеждане на събитие върху платното в строго съответствие с конкретно събитие в историята на революцията;
герои - работници и селяни;
· няма истина на автора - има истина на партията и творецът трябва да я утвърди, революция, борба, смърт на хора - това е пътят към светло бъдеще.
Но не може да се твърди, че социалистическият реализъм не отговаря на изискванията на времето. Да, имаше контрол, идеологически, икономически натиск, политически и културни кампании. За авангарда е трудно да запази позициите си в тоталитарното общество. Променен е както съставът на публиката, така и съставът на артистите. Трудните задачи като индустриализацията изискваха огромни усилия. И те могат да бъдат извлечени от изкуството, което показва: един прост човек може много, той е герой на своето време.
И така, в социалистическия реализъм имаше две основни течения. Смисълът на първия беше хиперболизация, обобщение - мащабни исторически събития, лични герои, лидери - първите лица на новата държава. Центърът на втория е ежедневието на обикновения човек.
Размразяването донесе промени и в живописта. Митологията на "размразяването"-пролетта се пренася в разцвета на човека, в детството и младостта. Но младостта сега не е красотата на физическата сила, не се гордее с участието в борбата на човек и развитите атлетични фигури. Това са градски деца и тийнейджъри, прозорци отворени към слънцето.
Но „размразяването“ приключи и в руската живопис дойде „суровият стил“. Противопоставя се не само на изкуството на "размразяването", но и на ранния социалистически реализъм, отхвърляйки миналото художествено светоусещане като "лъжа".
· „Суров стил” – лишен от илюзии, безпощадна истина, в която няма място за детско безгрижие. Слънцето и природата изчезнаха от картините, в живота няма място за прости радости - само работа.
· Героизмът в представянето на този стил не е физическата сила на човек и красивата поза. Това е вътрешно напрежение, усилие, което зрителят не вижда, той вижда само спокойствие, изолация. Силата на тялото се заменя със сила на волята („Строителите на Братск“ от В. Е. Попков, „Полярни изследователи“, „Жълт кантарион“ от А. Смолин и П. Смолин).
Кой става герой 20
век? Човек без възраст, пол, външен вид, той няма социален статус, животът не е разделен на личен и обществен. Това е човек „на гола земя” – в свят, който още не е създал, но трябва да създаде.
· Трудът не е радост, не е стремеж, не е необходимост от съзидание. Това е призвание, завладяване, подчинение на природата. Героите не са борци за нов свят, а петролни работници и геолози, строители на язовири.
Кръгът се затваря и до края на века руската живопис 20
век в 90-
години се връща към актуализираната модерност – постмодернизма. Картината става фотографска - практически няма разлики между копието и оригинала. И в същото време е схематичен, карикатурен. Формирането на стил все още продължава, рано е да се каже какви форми ще излязат на преден план.
В началото на века се развива стил, който засяга всички пластични изкуства, като се започне преди всичко с архитектурата (в която еклектизмът доминира дълго време) и завърши с графиката, която получи името на стила модерен. Модерният стил е нов етап в синтеза на архитектура, живопис, декоративни изкуства. Арт Нуво се проявява по следния начин: в скулптурата - плавността на формите, специалната изразителност на силуета, динамиката на композициите; в живописта - символиката на образите, пристрастяването към алегориите.
Появата на Арт Нуво не означава, че идеите за скитане са умрели до края на века. През 90-те години жанровата живопис се развива, но се развива малко по-различно от „класическото“ движение от 70-те и 80-те години. Един от най-големите художници, новатор на руската живопис в началото на века беше Валентин Александрович Серов (1865–1911).. Серов често пише представители на художествената интелигенция: писатели, художници, артисти. Но специална тема в творчеството на Серов е селянинът. В неговия селски жанр няма странстваща социална острота, но има усещане за красотата и хармонията на селския живот, възхищение от здравата красота на руския народ.
творчески начин Михаил Александрович Врубел (1856–1910)беше по-пряк, макар и изключително сложен. През 90-те години, когато художникът се установява в Москва, стилът на писане на Врубел, пълен с мистерия и почти демонична сила, се оформя. Цветовите комбинации не отразяват реалността на цветовата връзка, а имат символично значение. С Врубел навлизаме в нов век, епохата на "Сребърния век", последният период от културата на петербургска Русия
Виктор Елпидифорович Борисов-Мусатов (1870–1905)- пряк изразител на изобразителния символизъм и една от първите ретроспективи в изобразителното изкуство на погранична Русия. Творбите му са елегична тъга по старите празни "благородни гнезда" и загиващи "вишневи градини", по красиви жени, одухотворени, почти неземни, облечени в някакви вечни костюми, които не носят външни знаци за място и време. Мусатов с художници от "Светът на изкуството"- организация, която възниква в Санкт Петербург през 1898 г. и обединява майсторите на най-високата художествена култура, художествения елит на Русия от онези години. От голямо значение за формирането на тази асоциация е личността на Дягилев, меценат и организатор на изложби, а по-късно - импресарио на руски балетни и оперни турнета в чужбина. Когато последната, пета изложба на Света на изкуството беше закрита през март 1903 г., последният брой на списанието Светът на изкуството излезе през декември 1904 г., повечето художници се преместиха в Съюза на руските художници, организиран на базата на Московската изложба от 36 . През 1910 г. е направен опит да се вдъхне живот на "Светът на изкуството" (начело с Рьорих).
През 1903 г., както вече беше споменато, възниква една от най-големите изложбени асоциации в началото на века - Съюз на руските художници.Изложителите на "Съюза" бяха художници с различни мирогледи: С. Иванов, М. Нестеров, А. Архипов, братя Коровин, Л. Пастернак. Организационните въпроси бяха натоварени с A.M. Васнецов, С.А. Виноградов, В.В. Подвързващи вещества. Стълбовете на движението V.M. Васнецов, Суриков, Поленов бяха негови членове. К. Коровин се смяташе за лидер на "Съюза".
През 1910 г. редица млади художници - П. Кончаловски, И. Машков, А. Лентулов, Р. Фалк, А. Куприн, М. Ларионов, Н. Гончарова и др., се обединяват в организация „Джак каро”, която имаше свой собствен устав, организираше изложби и публикуваше собствени сборници със статии. „Кароба” всъщност съществува до 1917 г. Както постимпресионизмът, преди всичко Сезан, е „реакция на импресионизма”, така и „Кароба” се противопоставя на неяснотата, непреводимостта, най-фините нюанси на символичния език на „Синя роза” и естетически стилизъм „Светът на изкуството.
Изключителното опростяване на формата, пряката връзка с изкуството на знаците е особено забележимо в М.Ф. Ларионов (1881–1964),един от основателите на "Джак каро", но още през 1911 г. скъсва с него и организира нови изложби: "Опашката на магарето" и "Мишена". Неговата тема е животът на провинциална улица, войнишки казарми. През 1913 г. Ларионов публикува книгата си "Luchism" - всъщност първият от манифестите на абстрактното изкуство, чиито истински създатели в Русия са В. Кандински и К. Малевич. М.З. Шагал (1887–1985) създава фантазии, трансформирани от скучните впечатления от живота на малкия град Витебск и интерпретирани в наивно-поетичен и гротескно-символичен дух.
Изкуството на предреволюционните години в Русия е белязано от изключителната сложност и непоследователност на художествените търсения, оттук и последователните групировки със собствени програмни настройки и стилистични симпатии. Но наред с експериментаторите в областта на абстрактните форми в руското изкуство от онова време, „Светът на изкуството” и „Голуборози”, „съюзници”, „мошеници на диаманти” продължават да работят едновременно, има и мощен поток от неокласическо течение, пример за което може да бъде работата на активен член на „мирското изкуство“ в неговото „второ поколение“ З.Е. Серебрякова (1884–1967).И накрая, блестящо доказателство за жизнеността на националните традиции, великата древна руска живопис е творчеството Кузма Сергеевич Петров-Водкин (1878 г–1939), художник-мислител, който по-късно става известен майстор на изкуството от съветския период.
Ерата на силно развития индустриален капитализъм предизвика значителни промени в архитектура,особено в архитектурата на града. Появяват се нови видове архитектурни структури: фабрики и заводи, гари, магазини, банки; с появата на киното – кината. Превратът беше направен от нови строителни материали: стоманобетон и метални конструкции, които позволиха да се блокират гигантски пространства, да се направят огромни витрини и да се създаде странен модел на подвързии.
През последното десетилетие на 19-ти век на архитектите става ясно, че архитектурата е стигнала до задънена улица в използването на историческите стилове от миналото; според изследователите вече не е необходимо, според изследователите, да се „пренарежда“ исторически стилове, а творчески да осмислят новото, което се натрупва в средата на бързо разрастващ се капиталистически град. Последните години на 19-ти - началото на 20-ти век. - това е времето на господството на модерността в Русия, ярък пример за което в Русия беше творчеството F.O. Шехтел(1859–1926). Печелившите къщи, имения, сгради на търговски дружества и жп гари - във всички жанрове остави F.O. Шехтел собствен почерк. В Арт Нуво може да се проследи определена еволюция, два етапа на развитие: първият е декоративен, със страст към орнамента, декоративната скулптура и живописта (керамика, мозайка, витражи), вторият е по-конструктивен, рационалистичен.
Михаил Врубел
Врубел Михаил Александрович (1856–1910), руски художник, най-големият представител на символизма и модерността в руското изобразително изкуство. Роден в Омск на 5 (17) март 1856 г. Врубел учи в Петербургската академия на изкуствата (1880–1884) при Павел Петрович Чистяков; Взех уроци по акварел от Иля Ефимович Репин. Врубел е особено повлиян от живописта на венецианския Ренесанс. Поканен да възстанови църквата "Св. Кирил" (12 век), Врубел в редица случаи трябваше да изпълни нови композиции (по-специално "Слизането на Светия Дух", 1884); по същото време художникът рисува и иконата "Богородица с младенеца" (Киевски музей на руското изкуство). Очарователното великолепие на оцветяването на Врубел се проявява напълно в картината "Момиче на фона на персийски килим" (1886 г., пак там). След като се премества в Москва, Врубел става един от най-активните членове на художествената група на Сава Мамонтов. Тук художникът рисува редица от най-добрите си картини, работи в майолика - скулптури на цар Берендей, Лел, Волхов - всички в Третяковската галерия, Москва, отнасяйки се до дизайна, изпълнява скици на керамична печка, ваза, пейка (музей в Абрамцево ). „Руският стил“ на тези неща намира израз в неговата сценография, свързана с Московската частна руска опера на Сава Иванович Мамонтов, включително дизайна на „Садко“ (1897) и „Приказката за цар Салтан“ (1900) от Николай Андреевич Римски-Корсаков. Талантът на Врубел като декоратор е очевиден и в огромното му пано "Принцеса Мечта", поръчано за панаира в Нижни Новгород (1896 г., Третяковска галерия).
Демонът, 1890, Полетът на Фауст и Мефистофел, 1896, Принцесата-лебед, 1900, Шестокрилият Серафим Азраел, Пан 189
Атмосферата на приказка, характерна за картините "Пан" (1899 г.), "Принцесата лебед", "През нощта", "Люляк" (всички 1900 г.), трагедията кулминира в онези образи на Врубел, които се връщат към неговите илюстрации за стихотворението на Лермонтов "Демон" (акварел, бели, 1890-1891, Третяковска галерия и Руския музей, Санкт Петербург), - в картините "Демон" (1890) и "Победен демон" (1902; и двете творби - Третяковска галерия ).
През 1902 г. Врубел е поразен от тежко психическо заболяване, но дори и в по-късния му период (извършван главно в частни клиники в Москва и Санкт Петербург) работи в преход от модерно към авангардно. През 1906 г. художникът ослепява. Врубел умира в Санкт Петербург на 1 (14) април 1910 г. Влиянието на неговото изкуство е универсално: по един или друг начин го изпитаха почти всички големи майстори на руското изкуство на 20 век.
42 "Светът на изкуството" - значимо явление в руския художествен живот от края на XIX - началото на XX век, което изигра голяма роля в развитието не само на изобразителното изкуство в Русия, но и на театъра, музиката, архитектурата и приложните изкуства.
Люлката на "Светът на изкуството" е кръг от петербургската интелигенция, възникнал през 1890-те години. Сред тях бяха художниците А. Н. Беноа, К. А. Сомов, Л. С. Бакст. До края на това десетилетие "Светът на изкуството" се оформя като идейно-художествено сдружение. В. А. Серов участва в него, подкрепяйки го с авторитета си. Ядрото на младата група беше попълнено от E. E. Lansere и M. V. Dobuzhinsky. С. П. Дягилев, посветен на интересите на изкуството, играе важна организационна роля. От 1899 до 1904 г. дейците на "Светът на изкуството" издават литературно-художествено списание. Той обаче не беше единен в посоката си. Неговият художествен отдел, ръководен от изявени майстори на изобразителното изкуство, рязко се различава от литературно-философския отдел, който има символистично-религиозен характер.
Основната цел на Света на изкуството беше обновяването на руското изкуство, подобряването на неговата художествена култура, майсторство, широко запознаване с традициите на чуждестранното и местно наследство. Мирискусниците организират обширни изложби на местно и чуждестранно изкуство и са инициатори на много художествени начинания. Тогава те се обявиха за противници както на рутинния академизъм, така и на дребнавото ежедневие на късните Скитници.
В своята творческа практика Светът на изкуствата изхожда от конкретни житейски наблюдения, изобразяващи съвременната природа и човека. AT ранните годинив живота на сдружението Светът на изкуствата отдаде почит на индивидуализма. По-късно, в предреволюционното десетилетие, те до голяма степен преразгледаха своите естетически позиции, признавайки индивидуализма като пагубен за изкуството. През този период модернизмът става техен основен идеологически противник.
В два вида изкуство художниците от „Светът на изкуството” постигнаха особено значителни успехи: в театралното и декоративното изкуство, което въплъти мечтата им за хармония на изкуствата, за техния синтез, и в графиката.
Графиката привлича Света на изкуствата като една от масовите форми на изкуството, те също са впечатлени от нейните камерни форми, често срещани в онези години в много форми на изкуството. Освен това графиката изискваше специално внимание, тъй като беше много по-слабо развита от живописта. И накрая, развитието на графиката беше улеснено и от постиженията на вътрешния печат.
Пейзажите на стария Санкт Петербург и неговите предградия, красотата на които художниците възпяха, както и портретът, който в творчеството им заемаше по същество еднакво място с живописното, станаха особеност на стативната графика на света на изкуството. . Голям принос в графиката на началото на 20 век има А. П. Остроумова-Лебедева; в нейното творчество дърворезбата се утвърждава като самостоятелна форма на изкуство. Особено е романтичното творчество на В. Д. Фалилеев, който развива изкуството на гравиране върху линолеум. Най-значимото явление в областта на офорта е работата на В. А. Серов. Те се отличаваха с простота, строгост на формата и отлично владеене на рисунката. Серов напредва и в развитието на литографията, създавайки редица забележителни портрети в тази техника, отличаващи се със своята изразителност с удивителна икономия на художествени средства.
Майсторите на света на изкуството постигнаха голям успех в областта на книжната илюстрация, повдигането високо нивохудожествена култура на книгата. Особено значима в това отношение е ролята на А. Н. Беноа, Е. Е. Лансере и М. В. Добужински. В книжната графика плодотворно работят И. Я. Билибин, Д. Н. Кардовски, Г. И. Нарбут, Д. И. Митрохин, С. В. Чехонин и др.
Най-добрите постижения на графиката в началото на века, и преди всичко на света на изкуството, съдържат предпоставки за широкото развитие на съветската графика.
Руски авангард
Първата плаха стъпка към авангардното изкуство е направена през 1907 г. от художниците Сдружение "Синя роза"- П. Кузнецов, Н. Апунов, С. Судейкин, М. Сарьян, А. Фонвизин, Н. Кримов. Стилът на „Голуборозите“, изискан, поетичен, тясно свързан с естетиката на символизма, е създаден с акцент върху неопримитивизма, който отчасти повлиява върху развитието на творчеството на такива „титани“ на руския авангард като М. Ларионов, Н. Гончарова или К. Малевич.
За първи път новото изкуство се обявява шумно през 1910 г. на изложбата Джак каро, организирана по инициатива на Михаил Ларионов. В него участваха оригинални и много различни майстори - Иля Машков (1), Наталия Гончарова (2), Аристарх Лентулов (3), Робърт Фолк и много други. Това, което ги обединяваше, беше настроението за „изобразително действие на площада“, желанието да се предаде атмосферата на щанд, панаирджийско представление.
Живописният стил на Джак Диаманти се характеризираше с причудлива смесица от френски постимпресионизъм с чисто руски иконописни традиции и техники на народното изкуство (лубок, рисуване на подноси и играчки, табели на магазини). Изложбата беше истински шок за уважаваните московчани и дори за изкуствоведите, които вече са видели много неща. Организаторите му обаче биха се огорчили, ако ефектът беше различен. В края на краищата самият избор на името на изложбата стана доста шокиращ: на уличен жаргон „вале каро“ означаваше „измамник“, „измамник“, „нечестен човек“.
За съжаление (или за щастие на по-нататъшното развитие на авангарда), още през 1912 г. започват творчески различия между участниците в сдружението. Ларионов и Гончарова се отделиха от основното ядро, а останалите обявиха създаването на официална група под името "Джак каро".В творчеството си Джак каро разчита на откритията на Пол Сезан, особено в областта на цвета и пространството, така че натюрмортът и пейзажът стават техни любими жанрове.
Ларионов и Гончарова не одобриха такава страст към френското изкуство, вярвайки, че техните бивши съмишленици ценят твърде много западните майстори и обръщат твърде малко внимание на националните традиции. През 1912 г. организират изложба т.нар "магарешка опашка"- като алюзия към ситуацията, възникнала в Salon des Indépendants, където се опитаха да представят платно, нарисувано с магарешка опашка, като шедьовър на авангардното изкуство. Ларионов и Гончарова не изоставят напълно използването на живописните техники на европейските майстори, но ги комбинират с постиженията на руската народна живопис и иконопис (4). От изложбата не израсна интегрална живописна тенденция, но тя се оказа много значима за по-нататъшното развитие на руския авангард. След годинате подредиха друга изложба „Цел“, в която взеха участие петербургски художници-футуристи. На същото място Ларионов демонстрира първите си необективни „лъчезарни“ творби.
Художественият живот на Санкт Петербург също не спря. През 1910 г. тук възниква творческо сдружение "Младежки съюз", който нямаше специална програма и обединяваше представители на различни художествени течения (О. Розанова, И. Клюн (6), Н. Алтман, А. Екстер, Н. Удалцова, М. Шагал). За разлика от московчани, жителите на Петербург бяха по-повлияни от кубистите и италианските футуристи, а руската версия на футуризма се оказа много по-богата и по-интересна от това, което Маринети и неговите последователи предложиха. Комбинирайки принципите на тези две области, те създадоха свой собствен стил, базиран на тях - кубофутуризъм. Основната работа е извършена в периода 1911–1915 г. Особено оригинално е творчеството на Олга Розанова, която търси пътища към абстракцията успоредно с Кандински и Малевич.
Супремус - означава "върховен, отличен". Терминът, въведен от Малевич за новата живописна тенденция, трябваше да означава превъзходството на новата картина над всичко, което беше преди нея, победата на чистите цветове, освободени от света на нещата.
В първите години след Октомврийската революция в страната възникват много художествени университети и работилници, в дейността на които авангардните майстори участват най-пламенно. Основен образователни институциистават ИНХУК (Институт за художествена култура) и ВХУТЕМАС (Висши художествено-технически работилници), където преподават водещите фигури на авангарда - Попова, Екстер, Родченко, Малевич, Татлин, Филонов.
Творчеството на Филонов се откроява в пъстрия калейдоскоп от стилове и явления на първото десетилетие на ХХ век. На него се пада честта да създаде специфично направление т.нар „аналитично изкуство“ (8).През март 1914 г. той започва да събира около себе си група съмишленици, които издават манифест „Интимна работилница на художници и чертожници
Единството на властта и изкуството не беше предопределено да продължи дълго. Още през 20-те години започва постепенно „затягане на винтовете“. Все по-често авангардните художници бяха обвинявани в изолация от хората, упреквани за прекомерна сложност и неяснота.
До 1932 г. немедикализмът е изтласкан от художествените работилници и доктрината на "социалистическия реализъм" е окончателно установена в изкуството.
Василий Кандински
Василий Кандински (1866-1944), руски и немски художник, теоретик на изкуството и поет, един от лидерите на авангарда от първата половина на 20 век; става един от основоположниците на абстрактното изкуство. Роден в Москва на 22 ноември (4 декември) 1866 г. Още в годините на гимназията започва активно да се занимава с музика и рисуване. От 1885 г. Кандински учи право в университета в Москва, но по-късно решава да се посвети на изкуството. От 1897 г. живее в Мюнхен, където учи в местната Художествена академия под ръководството на Франц фон Щук. Пътува много из Европа и Северна Африка (1903-1907), (картини "Пъстър живот", "Дами в кринолини" и др.). През 1910 г. Кандински създава първите абстрактни живописни импровизации и завършва трактата За духовното в изкуството (книгата е публикувана през 1911 г. на немски).
Пъстър живот, Москва 1
През 1914 г. Василий Кандински се завръща в Русия, където живее главно в Москва. („Москва. Червен площад“, 1916 г., Третяковска галерия; „Смутни“, пак там; „Здрач“, Руски музей; „Сив овал“, Художествена галерия, Екатеринбург; всички произведения - 1917 г.). През 1918 г. Василий Кандински публикува автобиографичната си книга „Стъпки“. Въпреки това, не приемайки комунистическата идеология, той напуска Русия завинаги през 1921 г. Живял в Германия. ("В черния квадрат", 1923 г.; "Няколко кръга", 1926 г.; и двете картини са в музея С. Гугенхайм, Ню Йорк). През 1924 г. заедно с Явленски, Л. Фейнингер и П. Клее майсторът създава асоциация "Синя четворка"организиране на съвместни изложби с тях. С началото на германската окупация (1939 г.) той се завръща в Париж, където продължава да работи активно, включително по проекта за комедиен балетен филм, който възнамерява да създаде заедно с композитора Хартман.Кандински умира в Ньой сюр. -Сена на 13 декември 1944 г.
Павел Филонов
е роден в Москва. Останал рано сирак, той се премества в Санкт Петербург, където взема уроци по рисуване. От 1908г Павел Филонов учи в Художествената академия, откъдето е изключен през 1910 г. През 1911г той се свързва с Младежкия съюз и участва в техните изложби. На следващата година пътува до Италия и Франция.
Първите значими произведения на Филонов, обикновено написани в смесена техника на хартия (Мъж и жена, Празник на царете, Изток и Запад, Запад и Изток; всички произведения - 1912-1913 г., Руски музей, Санкт Петербург), са тясно свързани със символиката и модерност През 1913 г. проектира декори на сцената за трагедията на Владимир Маяковски "Владимир Маяковски" През 1919 г. картините на художника са изложени на първата държавна безплатна изложба на работническото изкуство в Петроград.
През 1923г Павел Филонов става професор в Художествената академия и член на Института за художествена култура (ИНХУК). През същите години в списанието "Животът на изкуството" е публикувана "Декларацията за световния растеж" на Павел Филонов. Две години по-късно Павел Филонов събира екип от майстори на аналитична живопис (сега известен като Школата на Филонов). Поради продължаващите остри критики и нападки срещу Филонов, изложбата му, планирана за 1929-1930г. не се проведе в Руския музей. През 1932г Животът и работата му не са прекъснати от войната. Умира от пневмония по време на обсадата на Ленинград през 1941 г. През 1967г В Новосибирск се проведе посмъртна изложба на творбите на Пав Филонов.
Малка къща в Москва
Малевич Казимир (1878(?) - 1935)- художник, един от основателите. геометрия. абстр. изкуство, баща Беларус - беларуски и руски художник, един от основателите на геометричното абстрактно изкуство .. Казимир Малевич е роден на 23 февруари 1878 или 1879 г. в Киев. Според общоприетото схващане датата на раждане на К. Малевич е 1878 г., но според изследване на киевския автор Д. Горбачов, архивни записи на метрики, открити през 2004 г., показват, че датата на раждане на К. Малевич е 1879 г.
Родителите на Малевич са поляци по произход. Баща ми работеше като управител в захарната фабрика на известния украински индустриалец Терещенко. Според други източници бащата на Малевич е беларуският етнограф и фолклорист Северин Антонович Малевич (1845-1902). Майка Лудвиг Александровна (1858-1942) е домакиня. Двойката Малевич има четиринадесет деца, но само девет от тях оцеляват до зряла възраст. Казимир беше първородният. Започва да се учи да рисува сам, след като майка му му подарява комплект бои на 15 години. На 17-годишна възраст прекарва известно време в Киевското художествено училище на Н. И. Мурашко. През 1896 г. семейство Малевич се установява в Курск. Там Казимир работи като второстепенен служител, но напуска службата в името на кариерата на художник. Първите произведения на Малевич са написани в стила на импресионизма. По-късно Малевич става един от активните участници във футуристични изложби. През 1913 г. проектира футуристичната опера „Победа над слънцето“.
През 1919-1922 г. Казимир Малевич преподава в Народното художествено училище на "новия революционен модел" във Витебск. През 20-те години на миналия век той участва в дизайна на представленията на В. В. Маяковски "Мистерия-Буф".
От 1923 до 1927 г. - директор на Ленинград държавна институцияхудожествена култура. Бил е член на "Асоциацията на модерните архитекти" (OSA). През 1930 г. творбите на художника са изложени на изложби в Берлин и Виена. През есента на 1930 г. Малевич е арестуван от НКВД като „германски шпионин“. Остава в затвора до декември 1930 г. под арест за дълги годиникартините му попадат в СССР.
Малевич беше последователен пропагандатор на собствената си теория. С течение на времето около него се сформира група съмишленици УНОВИС (Утвърдители на новото изкуство). Творенията на руските авангардни художници от началото на века взривиха остарялото прозападно визуално съзнание.
Бил е член на групата на младите художници Donkey Tail.
Най-известната картина на Малевич е Черен квадрат (1915 г.), която е своеобразен живописен манифест на супрематизма. Мистичното допълнение към картината е "Черният кръг" и "Черният кръст". Според завещанието му след смъртта му тялото на Малевич е кремирано в супрематичен ковчег, а след това урната е погребана под любимия дъб на художника край село Немчиновка. Над гроба имаше кубичен бетонен паметник, изобразен с черен квадрат. По време на войната гробът е изгубен. В момента местоположението му е установено от ентусиасти с достатъчна точност. Гробът се намира близо до Советски проспект в Немчиновка, източно от езерото. На мястото на гроба е издигнат малък паметник.
1. Изкуството на Русия в края на 20 век.Последното десетилетие на 20-ти век в Русия беше изпълнено с политически и икономически събития, които коренно промениха ситуацията в страната. Разпадането на Съветския съюз през 1991 г. и промяната в политическия курс, преходът към пазарни отношения и ясна ориентация към западния модел на икономическо развитие и накрая отслабването, до пълното премахване, на идеологическия контрол - всичко това в началото на 90-те години допринесе за това, че културната среда започна бързо да се променя. Либерализацията и демократизацията на страната допринесоха за развитието и утвърждаването на нови тенденции и направления в националното изкуство. Еволюцията на изкуството през 90-те години в Русия се осъществява с появата на тенденции, присъщи на постмодернизма, с появата на ново поколение млади художници, работещи в области като, концептуализъм, компютърна графика, неокласицизъмсвързани с развитието на компютърните технологии в Русия. Произхождайки от класическия еклектизъм, "новият руски неокласицизъм" се превърна в "многостранен диамант", съчетаващ различни тенденции, които не принадлежаха към "класиката" преди ерата на модернизма. неокласицизъм- това е посока в изкуството, в която художниците възраждат класическите традиции на живописта, графиката, скулптурата, но в същото време активно използват най-новите технологии. Британски историк и теоретик на изкуството Едуард Луси Смитнарече руския неокласицизъм „първото поразително явление на руската култура, повлияло на световния художествен процес след Казимир Малевич“. Неокласицизмът изисква различно отношение към античността от това на класиците. Историческият поглед върху гръцката култура направи древните произведения не абсолютен, а конкретен исторически идеал, следователно имитацията на гърците придоби различно значение: във възприемането на античното изкуство не неговата нормативност излезе на преден план, а свободата , условността на правилата, които по-късно ще станат канон, реалният живот на хората. Д.В. Сарабяновнамира неокласицизма за вид "усложнение" на модерността. Със същата вероятност неокласицизмът може да се счита както за късна модерна, така и за независима тенденция. В творчеството на „новите художници“ няма чиста модерност или отделен неокласицизъм, те винаги действат взаимосвързани, художниците от новата академия съчетават едновременно няколко направления във визуалните изкуства: авангард, постмодернизъм, класицизъм в „колаж“. пространство”. Творбите на "новите художници" са еклектични, съчетават компютърна графика, офорт, живопис и фотография. Художниците дигитализират готови произведения, избират необходимите фрагменти и създават колажи, майсторски възстановявайки костюмите и декора от древността. Комбинацията от традиционни методи с възможностите на компютърните графични програми разшири творческия потенциал на художниците. От сканирания материал бяха сглобени колажи, върху тях бяха приложени художествени специални ефекти, деформирани, създавайки илюзорни композиции. Най-видните представители на петербургския неокласицизъм в началото на 90-те години са О. Тоберлуц, Е. Андреева, А. Хлобистин, О. Туркина, А. Боровски, И. Чечот, А. Неболсин, Е. Шеф.неокласицизъм Тоберлутсе едно от проявленията на романтизма. Нейните творби въплъщават чувствата на човек, мечти, благородство, нещо въодушевено и обърнато към неосъществим идеал. . Самата художничка става героиня на творбите си. Стилистично работата на О. Тоберлутс може да се определи като неокласицизъм, преминал през постмодерното съзнание, като еклектичен свят, който изобразява антични храмове, ренесансови интериори, холандски вятърни мелници и костюми от дизайнера К. Гончаров като нотка на модерността. Безграничните възможности на компютърната графика правят произведенията на О. Тобрелутс фантастични и свръхестествени. С помощта на компютърните технологии Е.Шефсе връща в древна Гърция, след това в древен Рим, създавайки образи от античната митология в своите колажи. В сериали "Митовете на Лудвиг"художникът използва снимки на гръцки скулптури, архитектурни структури, наслагвайки ефектите на античността върху тях. С помощта на компютърни технологии художникът възстановява оригиналността на Колизеума, провеждайки вълнуващи екскурзии около него. Дигитално рисуване Шутовпредставлява емоционалният еквивалент на многото му хобита. Той съдържа както гръцка класика, така и ехо от етнографски изследвания, както и елементи от младежката субкултура.Така може да се отбележи, че краят на 20 век е повратна точка не само в политическия и икономическия живот на Русия, но и в изкуство. През 90-те години на миналия век се основава мощно течение във визуалните изкуства „нов руски неокласицизъм“. Развитието на компютърните технологии в Русия разшири творческия потенциал на художниците, новите художници, използвайки нови технологии, създадоха класически произведения. Основното нещо не е техниката и технологията, а естетиката. Модерното изкуство може да бъде и класическо. 2. Изкуството на Русия в началото на 21 век.Особеност на изобразителното изкуство в началото на 20-21 век е, че то се освобождава от цензурния гнет, от влиянието на държавата, но не и от пазарната икономика. Ако в съветско време на професионалните художници беше осигурен пакет от социални гаранции, техните картини бяха закупени за национални изложби и галерии, но сега те могат да разчитат само на собствените си сили. Но руската живопис не е умряла и се е превърнала в подобие на западноевропейско и американско изкуство, тя продължава да се развива на базата на руските традиции. Съвременното изкуство се излага от галерии за съвременно изкуство, частни колекционери, търговски корпорации, държавни организации за изкуство, музеи за съвременно изкуство, художествени ателиета или от самите художници в пространството, управлявано от артисти. Съвременните художници получават финансова подкрепа чрез безвъзмездни средства, отличия и награди, а също така получават средства от продажбата на своите творби. Руска практикамалко по-различен в този смисъл от западния. Музеите, биеналетата, фестивалите и панаирите на съвременното изкуство постепенно се превръщат в инструменти за привличане на капитали, инвестиции в туристическия бизнес или част от публична политика. Частните колекционери имат голямо влияние върху цялата система на съвременното изкуство. В Русия една от най-големите колекции на съвременно изкуство се съхранява от недържавния музей за съвременно изкуство Erarta в Санкт Петербург. Тенденции в съвременното изкуство: Незрелищно изкуство- течение в съвременното изкуство, което отхвърля зрелищността и театралността. Пример за такова изкуство е пърформансът на полския художник Павел Алтхамер „Script Outline” на изложбата „Манифеста” през 2000 г. В Русия той предложи своя собствена версия на неспектакълното изкуство Анатолий Осмоловски Улично изкуство(Английски) улично изкуство- улично изкуство) - визуални изкуства, отличителна чертакоето е подчертан градски стил. Основната част от уличното изкуство са графитите (иначе спрей изкуството), но не може да се счита, че уличното изкуство е графити. Уличното изкуство също включва плакати (некомерсиални), шаблони, различни скулптурни инсталации и др. В уличното изкуство е важен всеки детайл, дреболия, сянка, цвят, линия. Художникът създава собствено стилизирано лого - "уникален знак" и го изобразява върху части от градския пейзаж. Най-важното в уличното изкуство не е да се присвои територия, а да се въвлече зрителя в диалог и да се покаже различна сюжетна програма. Последното десетилетие бележи разнообразието от посоки, които уличното изкуство избира. Възхищавайки се на по-старото поколение, младите писатели осъзнават важността на развитието на собствен стил. По този начин се появяват нови клонове, предричащи богато бъдеще на движението. Новите разнообразни форми на уличното изкуство понякога надминават по обхват всичко, което е било създадено преди. аерография -една от техниките за рисуване на изобразителното изкуство, използваща аерограф като инструмент за нанасяне на течно или прахообразно багрило с помощта на сгъстен въздух върху всяка повърхност. Може да се използва и спрей боя. Поради широкото разпространение на аерографията и появата на голям брой различни бои и състави, аерографията получи нов тласък за развитие. Сега аерографията се използва за създаване на картини, ретуширане на снимки, таксидермия, моделиране, рисуване върху текстил, стенопис, боди арт, рисуване на нокти, рисуване на сувенири и играчки, рисуване на съдове. Често се използва за рисуване на автомобили, мотоциклети, друга техника, в печата, в дизайна и др. Благодарение на тънкия слой на боята и възможността за гладкото й пръскане върху повърхността, е възможно да се постигнат отлични декоративни ефекти, като плавни цветови преходи, триизмерност, фотографски реализъм на полученото изображение, имитация на груба текстура с идеална гладкост на повърхността.
Теми и въпроси на семинари;
Тема 1. Основни понятия от историята на изкуството и историята на изкуството.
Въпроси:
1. Проблемът за класифицирането на изкуствата.
2. Понятието „произведение на изкуството“. Възникване и задача на художественото произведение. Работа и изкуство.
3. Същност, цели, задачи на чл.
4. Функции и значение на чл.
5. Понятието "стил". Художествен стил и неговото време.
6. Класификация на изкуствата.
7. Историята на възникването и формирането на историята на изкуството.
Въпроси за обсъждане:
1. Съществуват 5 определения на чл. Какво е характерно за всеки от тях? Кое определение следвате? Можете ли да формулирате вашето определение за изкуство?
2. Каква е целта на изкуството?
3. Как можете да определите едно произведение на изкуството? Как съжителстват „произведение на изкуството“ и „произведение на изкуството“? Обяснете процеса на възникване на произведение на изкуството (според И. Тен). Каква е задачата на едно произведение на изкуството (според П. П. Гнедич)?
4. Избройте 4-те основни функции на изкуството (според I.P. Nikitina) и четири
възможно разбиране на смисъла на чл.
5. Определете значението на понятието "стил". Какви стилове в европейското изкуство познавате? Какво е "художествен стил", "артистично пространство"?
6. Избройте и дайте Кратко описаниевидове изкуства: пространствени, времеви, пространствено-времеви и зрелищни изкуства.
7. Какъв е предметът на историята на изкуството?
8. Каква според вас е ролята на музеите, изложбите, галериите, библиотеките за изучаване на произведения на историята на изкуството?
9. Характеристики на античната мисъл за изкуството: оцеляла информация за първите образци на литература за изкуството ("Канон" на Поликлеит, трактати на Дурис, Ксенократ). "Топографско" направление в литературата за изкуството: "Описание на Елада" от Павзаний. Описание на произведения на изкуството от Лукиан. Питагорейската концепция за "космос" като хармонично цяло, подчинено на законите на "хармонията и числото" и нейното значение за началото на теорията на архитектурата. Идеята за ред и пропорция в архитектурата и градоустройството. Образите на идеалния град в писанията на Платон (шеста книга от Законите, диалогът Критий) и Аристотел (седма книга от Политиката). Разбиране на изкуството в Древен Рим. „Естествена история“ на Плиний Стари (1 в. сл. Хр.) като основен източник на информация за историята на античното изкуство. Трактат на Витрувий: систематично изложение на класическата архитектурна теория.
10. Съдбата на античните традиции през Средновековието и характеристики на средновековните идеи за изкуството: Естетически възгледи на Средновековието (Августин, Тома Аквински), водещата естетическа идея: Бог е източникът на красотата (Августин) и значението му за художествена теория и практика. Идеята за "прототип". Характеристики на средновековната литература за изкуството. Практически-технологични, рецептурни наръчници: „Ръководство на художници” от планината Афаон Дионисий Фурнаграфиот, „За цветовете и изкуствата на римляните” от Ираклий, „Шедула” (Schedula - ученик) от Теофил. Описание на архитектурни паметници в летописи и жития на светци.
11. Ренесансът като повратна точка в историята на развитието на европейското изкуство и история на изкуството. Ново отношение към античността (изучаване на паметниците на античността). Развитието на светския светоглед и появата на експерименталната наука. Формиране на тенденция към историческа и критична интерпретация на феномените на изкуството: "Коментари" на Лоренцо Гиберти Трактати по специални въпроси - градоустройство (Филарет), пропорции в архитектурата (Франческо ди Джорджо), перспектива в живописта (Пиеро дела Франческа). Теоретично разбиране на повратната точка на Ренесанса в развитието на изкуството и опита на хуманистичното изследване на античното наследство в трактатите на Леон Батиста Алберти („За статуята“, 1435 г., „За живописта“, 1435-36 г., „За архитектурата“ “), Леонардо да Винчи („Трактат за живописта“, публикуван посмъртно), Албрехт Дюрер (Четири книги за човешките пропорции, 1528 г.). Критика на архитектурната теория на Витрувий в „Десет книги за архитектурата“ (1485) от Леон Батист Алберти. Витрувианска "Академия на доблестта" и нейните дейности в изучаването и превода на работата на Витрувий. Трактатът на Джакомо да Виньола „Правилото на петте ордена на архитектурата“ (1562 г.). Четири книги за архитектурата (1570) от Андреа Паладио е класически епилог в историята на ренесансовата архитектура. Ролята на Паладио в развитието на архитектурните идеи на барока и класицизма. Паладио и паладианството.
12. Основните етапи в развитието на историческата история на изкуството в новото време: от Вазари до Винкелман: „Животът на най-видните художници, скулптори и архитекти“ от Джорджо Вазари (1550, 1568) като забележително произведение в историята на формиране на художествена критика. „Книгата на художниците“ от Карел ван Мандер като продължение на биографиите на Вазари върху материала на холандската живопис.
13. Мислители от 18 век по проблемите на формирането на стил в изкуството, върху художествените методи, мястото и ролята на художника в обществото: Рационализмът в историята на изкуството. Класическата теория на Никола Пусен. Теоретичната програма на класицизма в "Поетичното изкуство" на Никола Бойо (1674) и "Разговори за най-известните художници, стари и нови" на А. Фелибен (1666-1688).
14. Епоха на Просвещението (18 век) и теоретико-методологически проблеми на изкуството. Формиране на национални школи в рамките на общата теория на изкуството. Развитие на художествената критика във Франция. Ролята на салоните във френския художествен живот. Прегледи на салоните като водеща форма на критическа литература за изобразителното изкуство. Спорове за задачите на художествената критика (оценка на творчеството или образование на публиката). Характеристики на немската история на изкуството. Принос към теорията на изобразителното изкуство от Готхолд Ефраим Лесинг. Трактат "Лаокоон" (1766) и проблемът за границите на живописта и поезията. Въвеждане на понятието „изобразително изкуство” вместо „изобразително изкуство” (преместване на акцента от красотата към истината и открояване на образно-реалистичната функция на изкуството). Значение на дейността на Йохан Йоахим Винкелман за развитието историческа наукаотносно изкуството. Концепцията на Винкелман за античното изкуство и периодизацията на неговото развитие.
15. Произход на руската мисъл за изкуството. Сведения за художници и художествени паметници в руските средновековни летописи и епистоларни източници. Повдигане на въпроси за изкуството в обществено-политическия живот на 16 век. (Катедралата Стоглави от 1551 г. и други катедрали) като доказателство за пробуждането на критичното мислене и борбата на различни идеологически тенденции.
16. Радикална промяна в руското изкуство от 17 век: формирането на началото на светски мироглед и първото запознаване с европейските форми на художествена култура. Формиране на художествено-теоретична мисъл. Глава "За иконографията" в "Житието" на Аввакум. „Очерк за изкуството“ на Йосиф Владимиров (1665-1666) и „Слово на любознателната иконопис“ на Симон Ушаков (1666-1667) са първите руски трудове по теория на изкуството.
17. Активно формиране на нови светски форми на култура през 18 век. Бележки
J. von Stehlin е първият опит за създаване на история на руското изкуство.
18. Ново романтично разбиране на изкуството в критични статии на К.Н. Батюшкова, Н.И. Гнедич, В. Кухелбекер, В.Ф. Одоевски, Д.В. Веневитинова, Н.В. Гогол.
19. История на изкуството от края на 19 - 20 век: опити за синтезиране на постиженията на формалната школа с концепциите на нейните критици - "структурна наука" за художествените стилове. Семиотичен подход в историята на изкуството. Характеристики на семиотичното изследване на произведения на изобразителното изкуство в творчеството на Ю.М. Лотман, С.М. Даниел, B.A. Успенски. Разнообразието от методи за изучаване на изкуството в съвременната вътрешна наука. Принципи на анализ на произведение на изкуството и проблемен подход към изучаването на историята на изкуството в произведенията на М. Алпатов („Художествени проблеми на изкуството“ Древна Гърция“, „Художествени проблеми на италианския Ренесанс“). Синтез на методически подходи (формално-стилистични, иконографски, иконологически, социологически) от В. Лазарев. Сравнително-исторически метод на изследване в творчеството на Д. Сарабянов (“Руската живопис на 19 век сред европейските школи. Опитът на сравнителното изследване”). Системен подход към изкуството и неговите характеристики.
1. Алексеев В.В. Какво е изкуство? За това как един художник, график и скулптор изобразяват света. – М.: Изкуство, 1991.
2. Валери П. За изкуството. Колекция. – М.: Изкуство, 1993.
3. Vipper B.R. Въведение в историческото изучаване на изкуството. – М.: Визуални изкуства, 1985.
4.Власов В.Г. Стилове в изкуството , - Санкт Петербург: 1998 г.
5.Зис А.Я. Видове изкуство. – М.: Знание, 1979.
6.Кон-Винер. История на стиловете в изящните изкуства. - М .: Сварог и К, 1998.
7. Мелик-Пашаев А.А. Съвременен речник-справочник по изкуство. – М.: Олимп – АСТ, 2000.
8. Янсън Х.В. Основи на историята на изкуството. - М.: Изкуство, 2001.
Тема 2. Изкуството на древния свят. Изкуство от ерата на първобитната комунална система и Древния Изток.
Въпроси:
1. Периодизация на изкуството на първобитното общество. Характеристики на примитивното изкуство от епохата: палеолит, мезолит, неолит, бронз.
2. Концепцията за синкретизъм в примитивното изкуство, нейните примери.
3. Общи закони и принципи на изкуството на Древния Изток.
4. Изкуството на Древна Месопотамия.
5. Изкуството на древните шумери.
6. Изкуството на древна Вавилония и Асирия.
Въпроси за обсъждане:
1. Направете кратък преглед на периодизацията на примитивното изкуство. Какви са характеристиките на изкуството на всеки период?
2. Опишете основните характеристики на примитивното изкуство: синкретизъм, фетишизъм, анимизъм, тотемизъм.
3. Сравнете каноните в изобразяването на човек в изкуството на древния Изток (Египет и Месопотамия).
4. Какви са характеристиките на изобразителното изкуство на Древна Месопотамия?
5. Разкажете ни за архитектурата на Месопотамия на примера на конкретни паметници:
зигурата на Етеменигуру в Ур и зигурата на Етеменанки в Нов Вавилон.
6. Разкажете ни за скулптурата на Месопотамия на примера на конкретни паметници: стените по протежение на пътя на процесията, портата Ищар, релефите от двореца Ашурнасирпал в
7. Каква е темата на скулптурните релефни изображения на Месопотамия?
8. Как се наричаха първите вавилонски паметници на архитектурата? Какво беше тяхното
среща?
9. Каква е особеността на космогонията на шумеро-акадската култура?
10. Избройте постиженията в изкуството на шумеро-акадската цивилизация.
1. Виноградова Н.А. Традиционно изкуство на Изтока. - М.: Изкуство, 1997.
2. Дмитриева Н.А. Разказизкуства. Проблем. 1: От древността до 16 век. Есета. – М.: Изкуство, 1985.
3. Изкуството на Древния Изток (Паметници на световното изкуство). – М.: Изкуство, 1968.
4. Чл древен Египет. Живопис, скулптура, архитектура, приложни изкуства. – М.: Изобразителни изкуства, 1972.
5. чл Древен свят. – М.: 2001.
6. История на изкуството. Първите цивилизации - Барселона-Москва: OSEANO - Beta-Service, 1998.
7. Паметници на световното изкуство. Брой III, първа серия. Изкуството на древния изток. - М.: Изкуство, 1970.
8. Померанцева Н.А. Естетически основи на изкуството на древен Египет. – М.: Изкуство, 1985.
9. Столяр А.Д. Произход на изобразителното изкуство. – М.: Изкуство, 1985.
Това време се смята за върхът на руската живопис и въвеждането на реализъм в нея. Социалните явления и революциите в страната оказват особено влияние върху изкуството. В живописта вече имаше цензура и критика. Значителен отпечатък върху работата на художниците оставят властите от онова време. Почти всеки домашен художник е бил длъжен да нарисува поне една картина, посветена на новата политика и новия обществен ред.
Основните направления на руската живопис на ХХ век
В периода на 20 век той бележи края на руския реализъм в живописта и началото на съветския или социалистическия. Времето на Великата война се счита за специално, което се отличава с единното движение на партията и народа. Военните картини направиха фурор и са актуални в настоящия период. Най-малко е засегнато социалистическото течение на пейзажния жанр.
Руски авангард
Думата "авангард" означава иновация, напредничаво движение. Домашният авангард съчетава радикалните течения на живописта. Отначало се нарича модернизъм, ново изкуство, абстракционизъм и други имена. Първите проблясъци в посоката се появиха в предвоенните години. Руският авангард съчетава такива моменти като абсолютното отхвърляне на миналото в културата и обединяването на процесите на разрушение и създаване. В живописта има място едновременно за агресия, желание за унищожаване на старите художествени ценности и създаване на нещо съвсем различно.
В тази посока, на първо място, си струва да се подчертае Василий Кандински, който рисува картините „Цветен живот“, „Песента на Волга“, „Бял овал“, „Москва. Червеният площад". Авангардистите включват и Казимир Малевич, който е представител на суперматизма, едно от авангардните течения. Това течение характеризира последния етап на изкуството, липсата на предмети. За първи път започнаха да говорят за него след появата на платна с геометрични абстракции.
социалистически реализъм
След революцията и много катаклизми и промени започва нов период и нова посока във визуалните изкуства. Отговаряше на това време и се наричаше социалистически реализъм. Това поискаха правителството и народа. Социалистическият реализъм се отличава с наличието на героизъм, изразени лидери, хора, събития, истината на партията, а не визията на самия художник. Тоталитарното общество промени руската живопис до неузнаваемост. Състоеше се главно от картини, посветени на историческите събития от онова време, героите и лидерите на държавата, както и ежедневието на обикновен работник.
Мнозина го нарекоха "строг стил", защото в него нямаше илюзии, предположения, детска небрежност. Само безпощадната истина беше показана на платната. Героизмът на онова време се крие във вътрешното напрежение и усилия на водача. В социалистическия реализъм трудът беше призвание, а героите бяха пионери и строители. В края на века, заедно с разпадането на съветската култура, идва ново направление в руската живопис.
Постмодернизъм
Ново направление в руската живопис дойде да замени модернизма, което не беше напълно ясно в обществото. Постмодернизмът се характеризира с фотографски изображения. Картината е максимално близка до оригиналния вид. Стилът се отличава с типологични особености. На първо място, готовата форма. Художниците използват класически образи, но ги интерпретират по нов начин, придават изключителност. Много често представителите на постмодернизма комбинират форми от няколко посоки, придавайки лека ирония на образа и някаква вторичност.
Друга особеност на посоката е липсата на правила. В постмодернизма художникът има пълен контрол върху избора на форми и начини за изобразяване на своята картина. Известна свобода даде свеж дъх на изкуството като цяло. Имаше арт инсталации и пърформанси. Постмодернизмът в живописта също се характеризира с липсата на ясни техники и обща световна популярност. Разцветът на тази посока идва през 90-те години на 20 век. Най-ярките му представители са следните художници: А. Менюс, М. Ткачев, С. Носова, Д. Дудник.
Изкуството от началото на 19 век се свързва с епохата на социален подем, причинен от Отечествена война 1812 г. и антикрепостническо движение, довело през 1825 г. до въстанието на декабристите.
В областта на художествената култура от този период се наблюдава относително бърза промяна на посоката: класицизъмотстъпва романтизъм, а романтизмът по пътя на своето развитие среща нарастване реализъмв изкуството. Всъщност това беше основно в живописта.Ако художниците от 18 век се стремят към реализъм в предаването на индивидуалната уникалност на индивида, то през 19 век те започват да изобразяват това, което е ценно, което ги тревожи в обществения живот.
През втората четвърт на 19 век капитализмът вече се е установил в повечето страни в Европа, докато в Русия разпадането на феодално-крепостническата система все още продължава. Въпреки това, както в Европа, така и в Русия, този период се характеризира с възход на бурен социален живот - в Европа това е преди всичко Френската революцияи неговите последици, а в Русия нарастващата борба срещу крепостничеството, особено след провала на въстанието на декабристите.
През този период класицизмът, който доминира в стените Академия на изкуствата, е изчерпала прогресивното си значение. През 1829 г. Академията е подчинена на отдела на императорския двор, така че става проводник на официални възгледи. В стремежа си да укрепят позициите си в изкуството, преподавателите от Академията се опитват да овладеят определени техники, характерни за романтизма. Така се формира методът на академичния романтизъм, който е предназначен да създаде идеална, възвишена красота, далеч от реалното ежедневие.
За разлика от академичното изкуство, през първата половина на 19 век в Русия започва да се оформя друго изкуство, което започва да се нарича критичен реализъм. Художниците започнаха открито, без да прибягват до условната форма на евангелските истории, да разобличават пороците на съвременното им общество, основателят на руския критичен реализъм в живописта с право се смята Павел Федотов.
Втората половина на 19 век в Русия е белязана от нов подем в освободителната борба за по-добър живот. Водещо място в общественото движение зае интелигенцията. Крепостството беше премахнато, но животът не стана по-лесен от това.
През този период значението на изкуството нараства, по-специално на живописта, която се смята за мощно средство за образование на хората. В края на първата половина на 19 век започва да работи Московско училище по живопис, скулптура и архитектура, която сега започна да играе огромна роля в обществото, като проводник на демократични пътища. Тук незабавно се вкорени венецианската педагогическа система, основана на внимателно проучване на околния живот. Изигра своята роля и обстоятелството, че Училището се намираше встрани от столицата, сякаш сред народния живот. Най-изявеният от учениците на училището беше В. Г. Перов
Изкуството през втората половина се отличава с високо идейно съдържание, страстен интерес към решаването на неотложни социални проблеми и битов характер. Служенето на хората се превърна в една от основните цели на прогресивните руски артисти. За първи път в историята на руското изкуство животът на трудещите се става основна тема в творчеството на демократите. Хората са изобразени не отвън, а сякаш отвътре. Творците, станали защитници на народа, много от които сами произхождат от народа, говорят за неговото потисничество, тежък живот и безправие. Тези социално-критични настроения проникват и в класовете на Художествената академия: през 1861 г. нейният възпитаник В. Якобиизпълни картината "Спиране на затворници". И през 1864 г. картината има огромен успех. К. Флавицки „Принцеса Тараканова“, който е посветен на мистериозния затворник от Петропавловската крепост, който се смяташе за дъщеря на Елизабет Петровна.
Княгиня Тараканова (1864)
Въпреки всички тези промени в обществения живот на Русия, Академията на изкуствата в Санкт Петербург продължава да защитава академичното изкуство, далеч от живота, абстрактно. Все още се смяташе за най-висок вид живопис историческа живописпредимно на митологични и религиозни теми. В резултат на това напредналите художници, които не желаят да приемат изостаналите принципи на Академията, влизат в конфликт със старата система на преподаване, което води до открит "бунт 14"художници. Дипломантите, начело с художника Крамской, отказаха да завършат дипломната си работа по поставената от него митологична тема. Те поискаха свобода при избора на тема. Съветът на Академията отказа молбата на абсолвентите, след което те напуснаха Академията в знак на протест, отказвайки дипломата си.
При напускането на Академията на 9 ноември 1863 г. протестантите се организират Артел на художниците.Инициаторът на цялата афера беше Иван Николаевич Крамской. Членовете на Artel наеха апартамент и се заселиха заедно. Домакинството се ръководеше от съпругата на Крамской. Artel скоро получи признание. Често я викаха "Академия Крамской". Всеки четвъртък вечер в работилницата на артеля се събираха художници и писатели. На тези вечери се обсъждаха вълнуващи въпроси от политиката, социалния живот, изкуството - всичко това допринасяше за възпитанието на артистичната младеж, сплотяването на артистичните сили.
Артелът съществува около 7 години и се разпада през 1870 г. Артелът беше заменен от нова художествена асоциация - Асоциация на пътуващите художествени изложби.
Много важно място в изкуството на 19 век заема дейност на П. М. Третяков,който се доказа като истински гражданин на Русия, създавайки колекция от руска живопис и скулптура, започвайки от античността. Той харчеше всичките си пари за закупуване на картини и често подкрепяше с пари бедни талантливи художници.
Основната област на руската живопис от втората половина на 19 век беше битов жанр.Водачът беше неподвижен селска тема.„Скитници“ изобразява народния живот, показва социалния конфликт между управляващите и потиснатите класи на руското общество.Обвинителните традиции продължават в живописта. Заема голямо място детска тема.
През втората половина на 19 век в руското изобразително изкуство се извършва реформа, според която митологичните, религиозните теми започват да отстъпват място на изобразяването на реални исторически събития. Началото на тази реформа е положено от руския художник Ге Н.Н.
В руския пейзаж от втората половина на 19 век се разгръща остра борба за установяване на национална тема. Забележителните художници Саврасов, Шишкин, Левитан и други през тези години скъсват с традициите на "идеализирания", "изгладен", далеч от живота, предимно италиански и френски, академичен пейзаж и се обръщат към образа на природата на родната си страна. Изявлението на Чернишевски „Красивото е живот“ намери топъл отклик сред майсторите на пейзажната живопис. Представяйки природата в нейния битов, естествен облик, Скитниците показаха в нея широка поезия и красота.
През втората половина на 20-ти век в руската живопис се открояват няколко особено ярки, мощни, талантливи художници, майстори на историческата живопис - това са И. Репин, В. Сурикр, В. Васнецов.
Руското изкуство в началото на 19-20 век се оформя в революционен дух. Декадентските възгледи и песимизмът проникват в средата на творческата интелигенция. Естетическите ценности са се променили в обществото. В търсене на собствен път в изкуството много художници започват да се обединяват в различни художествени организации – сдружения.
През 1903 г. много художници реалисти се обединяват в "Съюз на руските художници",където продължават традициите на скитниците, пишат правдиви, реалистични творби. Забележителни художници от този период са Серов, Врубел, Нестеров, Рябушкин и др.
