20. storočie: od avantgardy k postmoderne." title="Ruské maliarstvo 20 storočia: od avantgardy k postmoderne.">!}
20. storočie je obdobím prevratov, šialeného behu epoch. Zdá sa nemožné stihnúť opustiť jeden ťah štetcom, ale nie... Tak ako predtým, trendy v maľovaní sa stali módou a upadli do zabudnutia.
Začiatok storočia – hľadanie nových foriem a myšlienok. Avantgarda, supermoderna, abstraktné umenie a socialistický realizmus vznikajú, rozvíjajú sa a zanikajú. Príroda vstupuje do interiéru miestnosti a zátišie vychádza na čerstvý vzduch. 20
storočia je čas Borisa Kustodieva, Kazimira Maleviča, Konstantina Yuona, Fjodora Rešetnikova.
Takže ruská avantgarda. Začiatok.
Samotný pojem „avantgarda“ znamená vyspelý, inovatívny, rušiaci všetky väzby s minulosťou. Ruská avantgarda v 20
storočia je zovšeobecnením radikálnych hnutí v umení. Potom to malo rôzne názvy a smery: futurizmus, modernizmus, nové či ľavicové umenie, abstrakcionizmus, konštruktivizmus, supermatizmus. Vzbura v umení začala po prvej ruskej revolúcii, predvojnové roky predtým 1914
- postupný rozkvet a zrelosť - prvé desaťročie po revolúcii.
Ruskú avantgardu spájajú tieto črty:
· úplné, radikálne odmietnutie kultúrnej minulosti;
· spojenie dvoch princípov: deštruktívneho a kreatívneho. Agresivita, revolúcia, túžba búrať staré predstavy o umeleckých hodnotách, o obraze sveta, človeka a kypiacej tvorivej energii, túžba vytvárať niečo nové nielen v maľbe - vo všetkých sférach života.
Keď už hovoríme o avantgarde, stojí za zmienku Wassily Kandinsky. Vo svojej práci zač 20
storočie je starovek, kombinácia ruskej, nemeckej moderny a niektorých ruských ľudových populárnych tlače („Pestústy život“, „Pieseň Volgy“). Počas vojny a revolučných rokov vytvoril Kandinsky obrazy rôznych štýlov. O niečo neskôr - „Biely ovál“ (1920) - symbolicko-abstraktné plátno, kde ovál nejasne pripomína srdce, naplnené abstraktnými postavami, kde vystupuje os. Maľuje celkom realistické krajiny – „Moskva. Námestie Zubovskaya“ (1916) a krajiny trochu vzdialené od reality - „Moskva. Červené námestie“ (1916).
Medzi avantgardnými hnutiami vyniká supermatizmus a jeho polysémantický predstaviteľ a teoretik Kazimir Malevič. Čo znamená supermatizmus? V Malevichovej definícii je supermatizmus konečným štádiom umenia, neobjektivita, odklon od mimoumeleckého. A prvýkrát použil tento termín vo vzťahu k plátnam s geometrickými abstrakciami („Čierny kríž“, „Čierny štvorec“ na bielom pozadí). Názov bol teda priradený takýmto obrazom, hoci umelec tiež označil supematizmus za špecifickejšie formy, napríklad obrazy s ľudskými postavami.
Revolúcia prebehla. Avantgarda prežila roky prevratov a prišla k úpadku a v ruskej maľbe 20
storočí sa začala nová etapa. V budúcom pracovnom živote by sa mala etablovať nová estetika výtvarného umenia. A tento štýl niesol názov zodpovedajúci názvu novej éry – socialistický realizmus. Vznikol nie medzi umelcami, ale medzi politikmi.
K „pravdivému zobrazeniu reality“, ako to strana požadovala, mala pomôcť orientácia na tradície akademickej maľby. Štýl má svoje vlastné charakteristiky:
· hrdinstvo bojovníkov za revolúciu, vodcov, významných osobností, tých, ktorí viedli masy ľudu;
· realizmus znamenal potrebu reprodukovať udalosť na plátne presne v súlade s konkrétnou udalosťou v dejinách revolúcie;
· hrdinovia – robotníci a roľníci;
· neexistuje pravda autora - existuje pravda strany a umelec ju musí potvrdiť, revolúcia, boj, smrť ľudí - to je cesta k svetlej budúcnosti.
Nedá sa ale povedať, že by socialistický realizmus nespĺňal požiadavky doby. Áno, existovala kontrola, ideologický, ekonomický tlak, politické a kultúrne kampane. Pre avantgardu je ťažké udržať si svoje postavenie v totalitnej spoločnosti. Zmenilo sa zloženie publika aj zloženie umelcov. Komplexné úlohy, ako napríklad industrializácia, si vyžadovali obrovské úsilie. A dali sa čerpať z umenia, ktoré ukazovalo: jednoduchý človek dokáže veľa, je hrdinom svojej doby.
V socialistickom realizme teda existovali dva hlavné smery. Zmyslom prvého bola hyperbolizácia, zovšeobecnenie – rozsiahle historické udalosti, osobní hrdinovia, vodcovia – prvé osoby nového štátu. Stredobodom druhého je každodenný život bežného človeka.
The Thaw prinieslo zmeny aj do maľby. Mytologická povaha „topenia“-jari sa prenáša do rozkvetu človeka, do detstva a dospievania. Ale mladosť teraz nie je krása fyzickej sily, nie človek hrdý na svoju účasť v zápase a rozvinuté atletické postavy. Sú to mestské deti a tínedžeri, okná otvorené do slnka.
Ale „topenie“ sa skončilo a do ruskej maľby prišiel „tvrdý štýl“. Je v protiklade nielen k umeleckému umeniu „rozmrazovania“, ale aj k ranému socialistickému realizmu, odmietajúc minulý umelecký svetonázor ako „lož“.
· „Tvrdý štýl“ - bez ilúzií, nemilosrdná pravda, v ktorej nie je miesto pre detskú nedbanlivosť. Slnko a príroda z obrázkov zmizli, v živote nie je miesto pre jednoduché radosti - iba prácu.
· Hrdinstvo v podaní tohto štýlu nie je fyzická sila človeka a krásna póza. Toto vnútorné napätie, úsilie, ktoré divák nevidí, vidí len pokoj, izoláciu. Sila tela je nahradená silou vôle („Builders of Bratsk“ od V.E. Popkova, „Polar Explorers“, „St. John’s Wort“ od A. Smolin a P. Smolin).
· Kto sa stane hrdinom? 20
storočia? Človek bez veku, pohlavia, vzhľadu, nemá sociálne postavenie, život sa nedelí na súkromný a verejný. Toto je človek „na holej zemi“ - vo svete, ktorý ešte nevytvoril, ale musí ho vytvoriť.
· Práca nie je radosť, nie ašpirácia, nie potreba tvorby. Toto je volanie, dobývanie, podmaňovanie prírody. Hrdinami nie sú bojovníci za nový svet, ale ropní robotníci a geológovia, stavitelia priehrad.
Kruh sa uzatvára a do konca storočia ruská maľba 20
storočí v 90-
e rokov sa vracia k aktualizovanej moderne - postmoderne. Maľba sa stáva fotografickou - medzi kópiou a originálom nie sú prakticky žiadne rozdiely. A zároveň je to útržkovité, karikované. Formovanie štýlu stále prebieha, je priskoro povedať, ktoré formy sa dostanú do popredia.
Na prelome storočí sa objavil štýl, ktorý zasiahol celé výtvarné umenie, počnúc predovšetkým architektúrou (v ktorej dlho dominoval eklektizmus) a končiac grafikou, ktorá sa nazývala štýl moderné. Secesný štýl je novou etapou syntézy architektúry, maľby a dekoratívneho umenia. Secesia sa prejavila nasledovne: v sochárstve – plynulosť foriem, osobitá expresivita siluety, dynamickosť kompozícií; v maľbe - symbolika obrazov, vášeň pre cudzie rozprávky.
Vznik modernity neznamenal, že myšlienky putovného hnutia do konca storočia zanikli. V 90. rokoch sa rozvíjala žánrová maľba, ktorá sa však vyvíjala trochu inak ako v „klasickom“ Peredvizhniki 70. a 80. rokov. Jedným z najvýznamnejších umelcov a inovátorom ruskej maľby na prelome storočí bol Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911).. Serov často píše o predstaviteľoch umeleckej inteligencie: spisovateľoch, hercoch, maliaroch. Ale špeciálna téma v Serovovej práci je roľnícka. V jeho roľníckom žánri nie je žiadny sociálny dôraz peredvizhniki, ale je tu pocit krásy a harmónie roľníckeho života, obdiv k zdravej kráse ruskej osoby.
Kreatívna cesta Michail Alexandrovič Vrubel (1856 – 1910) bola priamejšia, aj keď tiež nezvyčajne komplexná. V 90. rokoch, keď sa umelec usadil v Moskve, sa formoval Vrubelov štýl písania, plný tajomstva a takmer démonickej sily. Farebné kombinácie neodrážajú realitu farebných vzťahov, ale majú symbolický význam. S Vrubelom vstupujeme do nového storočia, éry „strieborného veku“, posledného obdobia kultúry v Petrohrade v Rusku
Victor Elpidiforovič Borisov-Musatov (1870-1905)– priamy predstaviteľ obrazového symbolizmu a jeden z prvých retrospektívov vo výtvarnom umení pohraničného Ruska. Jeho diela sú elegickým smútkom za starými prázdnymi „hniezdami šľachty“ a umierajúcimi „čerešňovými sadmi“, za krásnymi ženami, zduchovnenými, až nadpozemskými, oblečenými v akýchsi nadčasových kostýmoch, ktoré nenesú vonkajšie znaky miesta a času. Túžba po zašlých časoch nás spojila s Borisovou-Musatovou umelcov zo Sveta umenia- organizácia, ktorá vznikla v Petrohrade v roku 1898 a združovala majstrov najvyššej umeleckej kultúry, umeleckú elitu Ruska tých rokov. Veľký význam pre vznik tohto združenia mala osobnosť Diaghileva, filantropa a organizátora výstav a následne impresária ruských baletných a operných zájazdov do zahraničia. Keď sa v marci 1903 skončila posledná, piata výstava „Sveta umenia“, v decembri 1904 vyšlo posledné číslo časopisu „Svet umenia“, väčšina umelcov sa presťahovala do „Zväzu ruských umelcov“, organizovaného na základe moskovskej výstavy „36“. V roku 1910 sa uskutočnil pokus opäť vdýchnuť život „Svetu umenia“ (pod vedením Roericha).
V roku 1903, ako už bolo spomenuté, vznikol jeden z najväčších výstavných spolkov začiatku storočia - "Zväz ruských umelcov". Vystavovateľmi „Únie“ boli umelci s rôznymi svetonázormi: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, bratia Korovinovci, L. Pasternak. Organizačné záležitosti mala na starosti A.M. Vasnetsov, S.A. Vinogradov, V.V. Kníhviazači. Piliere Peredvizhniki V.M. Jeho členmi boli Vasnetsov, Surikov, Polenov. K. Korovin bol považovaný za vodcu „Únie“.
V roku 1910 sa celý rad mladých umelcov - P. Končalovskij, I. Maškov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Gončarová a i. organizácia "Jack of Diamonds"“, ktorá mala vlastnú zakladateľskú listinu, organizovala výstavy a vydávala vlastné zbierky článkov. „Jack of Diamonds“ v skutočnosti existoval až do roku 1917. Rovnako ako postimpresionizmus, predovšetkým Cezanne, bol „reakciou na impresionizmus“, tak „Jack of Diamonds“ sa postavil proti vágnosti, nepreložiteľnosti a jemným nuansám symbolického jazyka „Modrej ruže“. “ a estetický štýl „Svet umenia“.
Extrémne zjednodušenie formy, priama súvislosť s umením značenia, je badateľné najmä v M.F. Larionová (1881 – 1964), jeden zo zakladateľov „Jack of Diamonds“, ale už v roku 1911 sa s ním rozišiel a zorganizoval nové výstavy: „Donkey’s Tail“ a „Target“. Jeho témou je život provinčnej ulice a kasární vojakov. V roku 1913 Larionov vydal svoju knihu „Rayizmus“ - v skutočnosti prvý z manifestov abstraktného umenia, ktorého skutočnými tvorcami v Rusku boli V. Kandinskij a K. Malevič. M.Z. Chagall (1887 – 1985) tvoril fantázie, transformované z nudných dojmov malomestského života Vitebska a interpretované v naivnom, poetickom a grotesknom symbolickom duchu.
Umenie predrevolučných rokov v Rusku sa vyznačovalo mimoriadnou zložitosťou a protirečivosťou umeleckých hľadaní, teda postupnými skupinami s vlastnými programovými usmerneniami a štýlovými sympatiami. Ale spolu s experimentátormi v oblasti abstraktných foriem, „Mir Iskusstiki“, „Goluborozovtsy“, „Allies“, „Valentine of Diamonds“ pokračovali v práci v ruskom umení tejto doby, existoval aj silný prúd neoklasického hnutia; príkladom je dielo aktívneho člena umenia „Mir“ v jeho „druhej generácii“ Z.E. Serebryakova (1884–1967). Napokon, skvelým dôkazom životaschopnosti národných tradícií a veľkého starovekého ruského maliarstva je kreativita Kuzma Sergejevič Petrov-Vodkin (1878–1939), umelec-mysliteľ, ktorý sa neskôr stal slávnym majstrom umenia počas sovietskeho obdobia.
Éra vysoko rozvinutého priemyselného kapitalizmu priniesla výrazné zmeny v r architektúra, predovšetkým v architektúre mesta. Vznikajú nové typy architektonických štruktúr: továrne a továrne, vlakové stanice, obchody, banky; s nástupom kinematografie - kiná. Revolúciu priniesli nové stavebné materiály: železobetón a kovové konštrukcie, ktoré umožnili pokryť gigantické priestory, vyrobiť obrovské výklady a vytvoriť bizarný vzor väzieb.
V poslednom desaťročí 19. storočia bolo architektom jasné, že architektúra sa dostala do slepej uličky vo využívaní historických slohov minulosti, podľa bádateľov nebolo potrebné „preusporiadanie“ historických slohov, ale tvorivé chápanie nového, ktoré sa hromadilo v prostredí rýchlo rastúceho kapitalistického mesta. Posledné roky 19. – začiatok 20. storočia. - toto je doba dominancie modernity v Rusku, ktorej výrazným príkladom bola v Rusku kreativita F.O. Shekhtel(1859–1926). Bytové domy, kaštiele, budovy obchodných spoločností a vlakových staníc - vo všetkých žánroch, ktoré zanechal F.O. Shekhtel má svoj vlastný rukopis. V secesii možno vysledovať istý vývoj, dve vývojové etapy: prvá je dekoratívna, s vášňou pre ornament, dekoratívnu plastiku a malebnosť (keramika, mozaika, vitráže), druhá je konštruktívnejšia, racionalistická.
Michail Vrubel
Vrubel Michail Alexandrovič (1856–1910), ruský umelec, najväčší predstaviteľ symbolizmu a moderny v ruskom výtvarnom umení. Narodil sa 5. (17. marca) 1856 v Omsku. Vrubel študoval na Akadémii umení v Petrohrade (1880–1884) u Pavla Petroviča Chistyakova; absolvoval lekcie akvarelu od Ilju Efimoviča Repina. Vrubel bol ovplyvnený najmä maľbou benátskej renesancie. Vrubel, pozvaný na obnovu cyrilského kostola (12. storočie), musel pri viacerých príležitostiach uviesť nové skladby (najmä „Zostúpenie Ducha Svätého“, 1884); Umelec zároveň namaľoval ikonu „Panna a dieťa“ (Kyjevské múzeum ruského umenia). Očarujúca nádhera Vrubelovej farebnosti sa naplno prejavila v obraze „Dievča na pozadí perzského koberca“ (1886, ibid.). Po presťahovaní do Moskvy sa Vrubel stal jedným z najaktívnejších členov umeleckej skupiny Savvy Mamontova. Maliar tu maľuje množstvo svojich najlepších obrazov, diela v majolike - sochy cár Berendej, Lel, Volchov - všetko v Treťjakovskej galérii v Moskve, venuje sa dizajnu, robí náčrty keramickej pece, vázy, lavice (Múzeum v Abramceve ). „Ruský štýl“ týchto vecí je vyjadrený aj v jeho scénografii spojenej s moskovskou súkromnou ruskou operou Savvu Ivanoviča Mamontova, vrátane návrhu „Sadko“ (1897) a „Príbeh o cárovi Saltanovi“ (1900) od Nikolaja. Andrejevič Rimskij-Korsakov. Vrubelov dekoratérsky talent sa prejavuje aj v jeho obrovskom paneli „Princezná snov“, ktorý bol objednaný pre veľtrh v Nižnom Novgorode (1896, Treťjakovská galéria).
Démon, 1890, Let Fausta a Mefistofela, 1896, Labutí princezná, 1900, Šesťkrídly serafín Azrael, pan 189
Atmosféra rozprávka, charakteristické pre obrazy „Pan“ (1899), „Labutia princezná“, „Toward Night“, „Lilac“ (všetky 1900), tragédia dosahuje svoj vrchol v tých Vrubelových obrazoch, ktoré sa vracajú k jeho ilustráciám k Lermontovovej básni „The Démon“ ( akvarel, vápno, 1890–1891, Treťjakovská galéria a Ruské múzeum, Petrohrad), - v obrazoch „Démon“ (1890) a „Démon porazený“ (1902; obe diela – Treťjakovská galéria).
V roku 1902 postihla Vrubela ťažká duševná choroba, no aj v neskoršom období (strávil najmä na súkromných klinikách v Moskve a Petrohrade) vytvoril množstvo diel poznamenaných znamenitým remeselným spracovaním („Perla“, 1904; Portrét Valerija Jakovleviča Bryusov, 1906) - diela prechádzajúce od moderny k avantgarde. V roku 1906 umelec oslepol. Vrubel zomrel v Petrohrade 1. apríla 1910. Vplyv jeho umenia bol univerzálny: takmer všetci významní majstri ruského umenia 20. storočia ho v tej či onej miere zažili.
42 "Svet umenia" - významný fenomén ruského umeleckého života konca 19. - začiatku 20. storočia, ktorý zohral veľkú úlohu v rozvoji nielen výtvarného umenia v Rusku, ale aj divadla, hudby, architektúry a úžitkového umenia.
Kolískou „Sveta umenia“ bol okruh petrohradskej inteligencie, ktorý vznikol v 90. rokoch 19. storočia. Do jej počtu patrili umelci A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. Koncom tohto desaťročia sa „Svet umenia“ formoval ako ideologické a umelecké združenie. Zúčastnil sa na ňom V. A. Serov, ktorý ho podporil svojou autoritou. Jadro mladej skupiny doplnili E. E. Lanceray a M. V. Dobuzhinsky. Veľkú organizačnú úlohu zohral S. P. Diaghilev, oddaný záujmom umenia. V rokoch 1899 – 1904 vydávali členovia Sveta umenia literárno-umelecký časopis. Vo svojom zameraní však nebol jednotný. Jeho umelecký odbor, na čele ktorého stáli vynikajúci majstri výtvarného umenia, sa výrazne líšil od odboru literárneho a filozofického, ktorý mal symbolistický a náboženský charakter.
Študenti Sveta umenia považovali za svoj hlavný cieľ obnovu ruského umenia, zlepšenie jeho umeleckej kultúry, zručnosti a široké oboznámenie sa s tradíciami zahraničného a domáceho dedičstva. Žiaci Sveta umenia organizovali rozsiahle výstavy domáceho i zahraničného umenia a boli iniciátormi mnohých umeleckých počinov. Potom sa vyhlásili za odporcov rutinného akademizmu aj malicherného každodennosti zosnulých putujúcich.
Umelci Miriskus vo svojej tvorivej praxi vychádzali z konkrétnych životných postrehov, zobrazujúcich súčasnú prírodu a človeka. IN skoré rokyživote spolku vzdali svetoví umelci hold individualizmu. Neskôr, v predrevolučnom desaťročí, do značnej miery revidovali svoje estetické pozície a uznali individualizmus za deštruktívny pre umenie. V tomto období sa ich hlavným ideovým odporcom stal modernizmus.
V dvoch druhoch umenia dosiahli umelci Sveta umenia mimoriadne významné úspechy: v divadelnom a dekoratívnom umení, ktoré stelesňovalo ich sen o harmónii umení, o ich syntéze a v grafike.
Grafika zaujala svet umenia ako jedna z masových foriem umenia, imponovali aj jej komorné formy, bežné v tých rokoch v mnohých druhoch umenia. Okrem toho si grafika vyžadovala osobitnú pozornosť, pretože bola oveľa menej rozvinutá ako maľba. Napokon rozvoju grafiky uľahčili aj výdobytky v domácej tlači.
Jedinečnosťou stojanovej grafiky „Sveta umenia“ boli krajiny starého Petrohradu a jeho predmestí, ktorých krásu umelci ospevovali, ako aj portrét, ktorý v ich tvorbe zaujímal v podstate rovnaké miesto ako malebné. A. P. Ostroumova-Lebedeva výrazne prispela ku grafike začiatku 20. storočia; v jej tvorbe sa drevoryt etabluje ako samostatná umelecká forma. Jedinečné bolo romantické dielo V.D. Falileeva, ktorý vyvinul umenie rytia na linoleum. Najvýznamnejším fenoménom v oblasti leptu bola práca V. A. Serova. Vyznačovali sa jednoduchosťou, prísnosťou formy a vynikajúcimi kresliacimi schopnosťami. Serov tiež pokročil vo vývoji litografie a vytvoril množstvo pozoruhodných portrétov v tejto technike, ktoré sú pozoruhodné svojou expresivitou s úžasnou hospodárnosťou umeleckých prostriedkov.
Majstri „World of Art“ dosiahli obrovský úspech v oblasti knižnej ilustrácie, pozdvihnutia vysoký stupeň umeleckej kultúry knihy. V tomto smere je významná najmä úloha A. N. Benoisa, E. E. Lanceraya a M. V. Dobužinského. V knižnej grafike plodne pracovali I. Ja Bilibin, D. N. Kardovskij, G. I. Narbut, D. I. Mitrochin, S. V. Čechonin a ďalší.
Najlepšie výdobytky grafiky na začiatku storočia a predovšetkým Sveta umenia obsahovali predpoklady pre široký rozvoj sovietskej grafiky.
Ruská avantgarda
Prvý nesmelý krok k avantgardnému umeniu urobili umelci v roku 1907 Združenie "Modrá ruža"- P. Kuznecov, N. Apunov, S. Sudeikin, M. Saryan, A. Fonvizin, N. Krymov. Štýl „Goluborozovcov“, sofistikovaný, poetický, úzko súvisiaci s estetikou symbolizmu, bol vytvorený s dôrazom na neoprimitivizmus, čo čiastočne ovplyvnilo vývoj tvorby takých „titánov“ ruskej avantgardy ako napr. M. Larionov, N. Gončarová či K. Malevič.
Nové umenie sa prvýkrát hlasno prihlásilo v roku 1910 na výstave „Jack of Diamonds“, organizovanej z iniciatívy Michaila Larionova. Zúčastnili sa ho originálni a navzájom veľmi odlišní majstri - Ilya Mashkov (1), Natalya Goncharova (2), Aristarkh Lentulov (3), Robert Falk a mnohí ďalší. To, čo ich všetkých spájalo, bola nálada „akcie maľovania na námestí“, túžba sprostredkovať atmosféru stánku, férové predstavenie.
Obrazový štýl „Knave of Diamonds“ sa vyznačoval bizarnou zmesou francúzskeho postimpresionizmu s čisto ruskými ikonopiseckými tradíciami a ľudovými umeleckými technikami (lubok, maľovanie podnosov a hračiek, nápisy obchodov). Výstava bola skutočným šokom pre slušných Moskovčanov a dokonca aj pre umeleckých kritikov, ktorí už videli veľa vecí. Jeho organizátori by však boli naštvaní, keby bol efekt iný. Koniec koncov, už samotný výber názvu výstavy sa stal dosť šokujúcim: v pouličnom slangu „Jack of Diamonds“ znamenal „podvodník“, „darebák“, „nečestný človek“.
Žiaľ (alebo našťastie pre ďalší rozvoj avantgardy) sa v roku 1912 začali medzi členmi združenia tvorivé rozdiely. Larionov a Goncharova sa oddelili od hlavného jadra, zatiaľ čo zvyšok oznámil vytvorenie oficiálnej skupiny pod s názvom „Jack of Diamonds“. Jack of Diamonds sa vo svojej tvorbe opieral o objavy Paula Cézanna najmä v oblasti farieb a priestoru, preto sa zátišie a krajina stali ich obľúbenými žánrami.
Larionov a Goncharova neschvaľovali takú vášeň pre francúzske umenie, pretože verili, že ich bývalí rovnako zmýšľajúci ľudia si príliš cenia západných majstrov a príliš málo pozornosti venujú národným tradíciám. V roku 1912 usporiadali výstavu tzv "Oslí chvost"- ako narážka na situáciu, ktorá vznikla v „Salóne nezávislých“, kde sa plátno namaľované oslím chvostom snažili vydať za majstrovské dielo avantgardného umenia. Larionov a Goncharova úplne neopustili používanie maliarskych techník európskych majstrov, ale skombinovali ich s výdobytkami ruskej ľudovej maľby a ikonomaľby (4). Výstava nepriniesla ucelený maliarsky pohyb, ale ukázala sa ako veľmi významná pre ďalší vývoj ruskej avantgardy. V roku zorganizovali ďalšiu výstavu „Target“, na ktorej sa zúčastnili futuristickí umelci z Petrohradu. Tam Larionov predviedol svoje prvé neobjektívne „žiariace“ diela.
Umelecký život Petrohradu sa tiež nezastavil. V roku 1910 tu vznikol tvorivý spolok "Zväz mládeže", ktorá nemala špeciálny program a spájala predstaviteľov rôznych umeleckých smerov (O. Rozanova, I. Klyun (6), N. Altman, A. Exter, N. Udaltsova, M. Chagall). Na rozdiel od Moskovčanov boli obyvatelia Petrohradu viac ovplyvnení kubistami a talianskymi futuristami a ruská verzia futurizmu sa ukázala byť oveľa bohatšia a zaujímavejšia, než navrhovali Marinetti a jeho nasledovníci. Spojením princípov týchto dvoch smerov vytvorili na ich základe vlastný štýl – kubo-futurizmus. Hlavné práce sa uskutočnili v rokoch 1911–1915. Zvlášť originálna je tvorba Olgy Rozanovej, ktorá paralelne s Kandinským a Malevičom hľadá cesty k abstrakcii.
Supremus - znamená „najvyšší, vynikajúci“. Termín, ktorý vymyslel Malevich pre nový umelecký smer, mal znamenať nadradenosť nového obrazu nad všetkým, čo mu predchádzalo, víťazstvo čistých farieb oslobodených od sveta vecí.
V prvých rokoch po októbrovej revolúcii v krajine vzniklo mnoho umeleckých univerzít a dielní, na činnosti ktorých sa aktívne podieľali avantgardní majstri. Hlavná vzdelávacie inštitúcie sa stal INHUK (Inštitút umeleckej kultúry) a VKHUTEMAS (Vyššie umelecké a technické dielne), kde vyučovali poprední predstavitelia avantgardy - Popova, Ekster, Rodčenko, Malevič, Tatlin, Filonov.
Filonovova tvorba vyčnieva z pestrého kaleidoskopu štýlov a javov prvého desaťročia 20. storočia. Má tú česť vytvárať špecifický smer tzv „analytické umenie“ (8). V marci 1914 začal okolo seba zhromažďovať skupinu rovnako zmýšľajúcich ľudí, ktorí vydali manifest „Intímna dielňa maliarov a kresličov
Jednota moci a umenia nebola predurčená na dlhé trvanie. Už v 20. rokoch sa začalo postupné „uťahovanie skrutiek“. Čoraz častejšie boli avantgardní umelci obviňovaní z toho, že nie sú v kontakte s ľuďmi, vyčítaní im, že sú príliš zložití a nezrozumiteľní.
V roku 1932 boli z umeleckých dielní vytlačené neprípravné práce a v umení sa konečne etablovala doktrína „socialistického realizmu“.
Wassily Kandinsky
Kandinskij Wassily (1866–1944), ruský a nemecký umelec, teoretik umenia a básnik, jeden z vodcov avantgardy prvej polovice 20. storočia; sa stal jedným zo zakladateľov abstraktného umenia. Narodil sa v Moskve 22. novembra (4. decembra 1866). Už v stredoškolských rokoch sa začal aktívne venovať hudbe a maľbe. Od roku 1885 Kandinskij študoval právnu vedu na univerzite v Moskve, no neskôr sa rozhodol venovať umeniu. Od roku 1897 žil v Mníchove, kde študoval na tamojšej Akadémii umení pod vedením Franza von Stucka. Veľa cestoval po Európe a severnej Afrike (1903 – 1907) (obrazy „A Motley Life“, „Dámy v krinolínach“ a iné). V roku 1910 Kandinsky vytvoril prvé abstraktné maliarske improvizácie a dokončil pojednanie „O duchovnom v umení“ (kniha vyšla v roku 1911 v nemčine).
Motley Life, Moskva 1
V roku 1914 sa Wassily Kandinsky vrátil do Ruska, kde žil najmä v Moskve. („Moskva. Červené námestie“, 1916, Treťjakovská galéria; „Problémy“, tamže; „Súmrak“, Ruské múzeum; „Sivý ovál“, Galéria umenia, Jekaterinburg; všetky diela - 1917). V roku 1918 vydal Wassily Kandinsky autobiografickú knihu „Kroky“. Keďže však komunistickú ideológiu neprijal, v roku 1921 navždy opustil Rusko. Žil v Nemecku. („Na čiernom námestí“, 1923; „Niekoľko kruhov“, 1926; oba obrazy sú v Múzeu S. Guggenheima, New York). V roku 1924 majster vytvoril spolok spolu s Jawlenskym, L. Feiningerom a P. Klee. "Modrá štvorka" organizovanie spoločných výstav s nimi. So začiatkom nemeckej okupácie (1939) sa vrátil do Paríža, kde pokračoval v aktívnej práci, vrátane projektu komediálneho filmového baletu, ktorý mal v úmysle vytvoriť spolu so skladateľom Hartmannom Kandinsky zomrel v Neuilly-. sur-Seine 13. decembra 1944.
Pavel Filonov
narodený v Moskve. Keďže predčasne osirel, presťahoval sa do Petrohradu, kde chodil na hodiny maľby. Od roku 1908 Pavel Filonov študoval na Akadémii umení, odkiaľ bol v roku 1910 vylúčený. V roku 1911 kontaktoval a kontaktoval Zväz mládeže a zúčastňoval sa na ich výstavách. Nasledujúci rok som cestoval do Talianska a Francúzska.
Prvé Filonovove významné diela, zvyčajne písané kombinovanou technikou na papieri (Muž a žena, Sviatok kráľov, Východ a Západ, Západ a Východ; všetky diela - 1912–1913, Ruské múzeum, Petrohrad), úzko súvisia so symbolikou a modernizmus V roku 1913 navrhol scénickú výzdobu pre tragédiu Vladimíra Majakovského z roku 1919. Umelcove obrazy boli vystavené na prvej štátnej voľnej výstave robotníckeho umenia v Petrohrade.
V roku 1923 Pavel Filonov sa stáva profesorom na Akadémii umení a členom Inštitútu umeleckej kultúry (INHUK). V tých istých rokoch bola v časopise "Život umenia" uverejnená "Vyhlásenie svetového rastu" Pavla Filonova. O dva roky neskôr zostavil Pavel Filonov tím majstrov analytickej maľby (teraz známy ako Filonovova škola). Kvôli pokračujúcej tvrdej kritike a útokom proti Filonovovi bola jeho výstava plánovaná na roky 1929-1930. sa v Ruskom múzeu nekonalo. V roku 1932 Jeho život a dielo neskrátila ani vojna. Zomrel na zápal pľúc počas obliehania Leningradu v roku 1941. V roku 1967 V Novosibirsku sa konala posmrtná výstava diel Pavla Filonova.
Malý dom v Moskve
Malevič Kažimír (1878(?) - 1935)- umelec, jeden zo zakladateľov. geometer. abstraktné art., bieloruský otec - bieloruský a ruský umelec, jeden zo zakladateľov geometrického abstraktného umenia.. Kazimir Malevič sa narodil 23. februára 1878 alebo 1879 v Kyjeve. Podľa všeobecného presvedčenia je dátum narodenia K. Maleviča 1878, avšak podľa výskumu kyjevského autora D. Gorbačova archívne metrické záznamy nájdené v roku 2004 naznačujú, že dátum narodenia K. Maleviča je 1879.
Malevičovi rodičia boli pôvodom Poliaci. Môj otec pracoval ako manažér v cukrovare slávneho ukrajinského priemyselníka Tereščenka. Podľa iných zdrojov bol Malevičovým otcom bieloruský etnograf a folklorista Severin Antonovič Malevič (1845-1902). Matka Ludwig Alexandrovna (1858-1942) bola žena v domácnosti. Malevichovci mali štrnásť detí, ale len deväť z nich sa dožilo dospelosti. Kazimír bol prvorodený. Začal sa učiť kresliť sám po tom, čo mu matka dala sadu farieb vo veku 15 rokov. Vo veku 17 rokov strávil nejaký čas na kyjevskej umeleckej škole N. I. Murashko. V roku 1896 sa rodina Malevich usadila v Kursku. Tam Kažimír pracoval ako menší úradník, ale zo služby odišiel, aby sa mohol venovať kariére umelca. Malevichove prvé diela boli napísané v štýle impresionizmu. Neskôr sa Malevich stal jedným z aktívnych účastníkov futuristických výstav. V roku 1913 navrhol futuristickú operu „Víťazstvo nad slnkom“.
V rokoch 1919-1922 vyučoval Kazimir Malevich na Ľudovej umeleckej škole „nového revolučného modelu“ vo Vitebsku. V 20. rokoch sa podieľal na dizajne predstavení V. V. Mayakovského „Mystery-Buff“.
Od roku 1923 do roku 1927 - riaditeľ Leningradského štátny ústav umeleckej kultúry. Bol členom Asociácie moderných architektov (OSA). V roku 1930 boli umelcove diela vystavené na výstavách v Berlíne a vo Viedni. Na jeseň roku 1930 Maleviča zatkla NKVD ako „nemeckého špióna“. Vo väzení zostal do decembra 1930. Zatknutý o dlhé roky Jeho obrazy skončili v ZSSR.
Malevič bol dôsledným propagátorom svojej vlastnej teórie. Časom sa okolo neho vytvorila skupina rovnako zmýšľajúcich ľudí UNOVIS (Approvers of New Art). Výtvory ruských avantgardných umelcov začiatku storočia vyhodili do vzduchu zastarané prozápadné vizuálne vedomie.
Bol členom skupiny mladých umelcov Donkey Tail.
Najznámejším Malevičovým obrazom je Čierny štvorec (1915), ktorý bol akýmsi obrazovým manifestom suprematizmu. „Čierny kruh“ a „Čierny kríž“ slúžia ako mystický doplnok k obrázku. Podľa jeho vôle bolo Malevichovo telo po jeho smrti spopolnené v suprematistickej rakve a potom bola urna pochovaná pod umelcovým obľúbeným dubom neďaleko dediny Nemchinovka. Nad hrobom bol inštalovaný kubický betónový pomník s vyobrazeným čiernym štvorcom. Počas vojny sa hrob stratil. V súčasnosti je jeho poloha stanovená nadšencami s dostatočnou presnosťou. Hrob sa nachádza neďaleko Sovetského prospektu v Nemčinovke, východne od rybníka. Na mieste hrobu je postavený malý pomník.
1.Umenie Ruska na konci 20. storočia. Posledné desaťročie 20. storočia v Rusku bolo plné politických a ekonomických udalostí, ktoré radikálne zmenili situáciu v krajine. Rozpad únie v roku 1991 a zmena politického kurzu, prechod na trhové vzťahy a jasná orientácia na západný model ekonomického rozvoja a napokon oslabenie, ba úplné zrušenie ideologickej kontroly – to všetko v začiatok 90. rokov prispel k tomu, že sa kultúrne prostredie začalo rýchlo meniť. Liberalizácia a demokratizácia krajiny prispeli k rozvoju a etablovaniu nových trendov a smerov v domácom umení. Vývoj umenia v 90. rokoch v Rusku nastáva so vznikom trendov, ktoré sú vlastné postmodernizmu, s nástupom novej generácie mladých umelcov pracujúcich v takých smeroch, ako sú: konceptualizmus, počítačová grafika, neoklasicizmus súvisiaci s rozvojom počítačových technológií v Rusku. Vychádzajúc z klasického eklekticizmu sa „nový ruský neoklasicizmus“ stal „mnohostranným diamantom“, ktorý kombinuje rôzne smery, ktoré pred érou modernizmu nepatrili ku „klasike“. Neoklasicizmus je smer v umení, v ktorom umelci oživujú klasické tradície maľby, grafiky, sochárstva, no zároveň aktívne využívajú najnovšie technológie. Britský historik a teoretik umenia Edward Lucy Smith nazval ruský neoklasicizmus „prvým pozoruhodným fenoménom ruskej kultúry, ktorý ovplyvnil svetový umelecký proces po Kazimirovi Malevičovi“. Neoklasicizmus si vyžiadal iný postoj k antike ako mali klasicisti. Historický pohľad na grécku kultúru urobil z antických diel nie absolútny, ale konkrétny historický ideál, takže napodobňovanie Grékov dostalo iný význam: vo vnímaní antického umenia sa do popredia nedostala jeho normatívnosť, ale sloboda, podmienenosť pravidiel, ktoré sa neskôr stali kánonom, skutočný životľudí. D.V. Sarabjanov považuje neoklasicizmus za akúsi „komplikáciu“ modernity. Neoklasicizmus možno s rovnakou pravdepodobnosťou považovať za neskoro moderný aj za nezávislé hnutie. V tvorbe „nových umelcov“ nie je čistá moderna ani samostatný neoklasicizmus, umelci novej akadémie v „kolážovom priestore“ spojili viacero smerov: avantgarda, postmoderna, klasicizmus; . Diela „nových umelcov“ sú eklektické, kombinujú počítačovú grafiku, lept, maľbu a fotografiu. Umelci preniesli hotové diela do digitálneho formátu, zvýraznili potrebné fragmenty a vytvorili koláže, majstrovsky obnovili kostýmy a výzdobu staroveku. Kombinácia tradičných metód s možnosťami počítačových grafických programov rozšírila tvorivý potenciál umelcov. Koláže boli zostavené z naskenovaného materiálu, boli na ne aplikované umelecké špeciálne efekty a boli deformované a vytvárali iluzívne kompozície. Najvýraznejšími predstaviteľmi petrohradského neoklasicizmu začiatku 90. rokov boli O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoklasicizmus Toberluts je jedným z prejavov romantizmu. Jej diela zosobňujú ľudské city, sny, noblesu, niečo nadšené a adresované nereálnemu ideálu. . Hrdinkou jej diel sa stáva samotná umelkyňa. Štylisticky možno tvorbu O. Toberlutsa definovať ako neoklasicizmus, ktorý prešiel postmoderným povedomím, ako eklektický svet, v ktorom sú antické chrámy, renesančné interiéry, holandské mlyny a kostýmy od dizajnéra K. Goncharova stvárnené ako nádych moderny. Neobmedzené možnosti počítačovej grafiky dávajú dielam O. Tobrelutsa fantastickú a nadprirodzenú kvalitu. Používanie výpočtovej techniky E. Sheff sa vracia buď do antického Grécka, alebo do starovekého Ríma a vo svojich kolážach vytvára obrazy antickej mytológie. V seriáli "Ludwigove mýty" umelec použil fotografie gréckych sôch a architektonických štruktúr, pričom na ne prekrýval účinky staroveku. S pomocou výpočtovej techniky umelec obnovuje pôvodný stav Kolosea a vedie okolo neho fascinujúce výlety. Digitálne maľovanie Šutová predstavuje emocionálny ekvivalent jeho mnohých koníčkov. Možno v nej nájsť grécku klasiku, ozveny etnografického výskumu, ako aj prvky mládežníckej subkultúry. Možno teda konštatovať, že koniec 20. storočia bol zlomom nielen v politickom a ekonomickom živote Ruska, ale aj v umení. V 90. rokoch sa vytvoril silný smer vo výtvarnom umení, „nový ruský neoklasicizmus“. Rozvoj počítačovej techniky v Rusku rozšíril tvorivý potenciál umelcov, pomocou nových technológií vytvorili klasické diela. Hlavná vec nie je technika a technológia, ale estetika. Klasické môže byť aj súčasné umenie. 2. Umenie Ruska na začiatku 21. storočia. Znakom výtvarného umenia na prelome 20. a 21. storočia je, že sa oslobodilo od cenzúry, od vplyvu štátu, nie však od trhového hospodárstva. Ak v Sovietsky čas Profesionálnym umelcom bol poskytnutý balík sociálnych záruk, ich obrazy boli zakúpené pre národné výstavy a galérie, no teraz sa môžu spoliehať len na svoje sily. Ruská maľba však nezomrela a nezmenila sa na podobu západoeurópskeho a amerického umenia, ktorá sa naďalej rozvíja na základe ruských tradícií. Súčasné umenie vystavujú galérie súčasného umenia, súkromní zberatelia, komerčné korporácie, verejné umelecké organizácie, múzeá moderného umenia, umelecké ateliéry alebo samotní umelci v umelcom riadenom priestore. Súčasní umelci získavajú finančnú podporu prostredníctvom grantov, ocenení a cien a tiež získavajú prostriedky z predaja svojich diel. Ruská prax je v tomto zmysle trochu odlišná od tej západnej. Múzeá, bienále, festivaly a veľtrhy súčasného umenia sa postupne stávajú nástrojmi na prilákanie kapitálu, investícií do cestovného ruchu alebo časti verejná politika. Súkromní zberatelia majú veľký vplyv na celý systém súčasného umenia. V Rusku má jednu z najväčších zbierok súčasného umenia neštátne múzeum súčasného umenia Erarta v Petrohrade. Smery v súčasnom umení: Neokázalé umenie- smer v modernom umení odmietajúci zábavu a teatrálnosť. Príkladom takéhoto umenia je vystúpenie poľského umelca Pavla Althamera „Script Outline“ na výstave „Manifesta“ v roku 2000. V Rusku navrhol svoju vlastnú verziu neokázalého umenia Pouličné umenie Anatolija Osmolovského(Angličtina) pouličné umenie- pouličné umenie) - výtvarné umenie, charakteristický znak ktorá má výrazný mestský štýl. Hlavnou súčasťou pouličného umenia je graffiti (aka spray art), no nemožno predpokladať, že pouličné umenie je graffiti. Street art zahŕňa aj plagáty (nekomerčné), šablóny, rôzne sochárske inštalácie a pod.. V street arte je dôležitý každý detail, maličkosť, tieň, farba, línia. Umelec vytvára svoje vlastné štylizované logo - „jedinečný znak“ a zobrazuje ho v oblastiach mestskej krajiny. Najdôležitejšou vecou v street arte nie je privlastniť si územie, ale zapojiť diváka do dialógu a ukázať iný dejový program. V poslednom desaťročí sa pouličné umenie uberalo rôznymi smermi. Kým staršiu generáciu obdivujú, mladí spisovatelia si uvedomujú dôležitosť rozvíjania vlastného štýlu. Vzniká tak stále viac nových odvetví, ktoré hnutiu predpovedajú bohatú budúcnosť. Nové a rozmanité formy pouličného umenia niekedy svojím rozsahom prevyšujú všetko, čo bolo vytvorené predtým. Airbrush - jedna z maliarskych techník výtvarného umenia, ktorá využíva airbrush ako nástroj na nanášanie tekutého alebo práškového farbiva pomocou stlačeného vzduchu na akýkoľvek povrch. Môže sa použiť aj plechovka farby v spreji. Vďaka širokému používaniu airbrushingu a vzniku veľkého množstva rôznych farieb a kompozícií dostal airbrushing nový impulz pre vývoj. V súčasnosti sa airbrushing používa na vytváranie obrazov, retušovanie fotografií, preparovanie zvierat, modelárstvo, maľovanie na textil, nástenné maľovanie, zdobenie tela, maľovanie nechtov, maľovanie na suveníry a hračky a maľovanie na riad. Často sa používa na nanášanie vzorov na autá, motocykle, iné zariadenia, pri tlači, v dizajne a pod. Vďaka tenkej vrstve farby a schopnosti hladko nastriekať na povrch je možné dosiahnuť vynikajúce dekoratívne efekty, ako sú hladké farebné prechody, trojrozmernosť, fotografický realizmus výsledného obrazu, imitácia hrubej textúry s ideálnou hladkosťou povrchu.
Témy a otázky seminárnych hodín;
Téma 1. Základné pojmy umeleckej kritiky a dejín umenia.
otázky:
1. Problém klasifikácie druhov umenia.
2. Pojem „umelecké dielo“. Vznik a účel umeleckého diela. Práca a umenie.
3. Podstata, ciele, úlohy umenia.
4.Funkcie a význam umenia.
5. Pojem „štýl“. Umelecký štýl a jeho doba.
6.Klasifikácia umení.
7. Dejiny vzniku a vývoja umeleckej kritiky.
Otázky na diskusiu:
1. Existuje 5 známych definícií umenia. Čo je charakteristické pre každého z nich? Ku ktorej definícii sa prikláňate? Môžete sformulovať svoju definíciu umenia?
2. Aký je účel umenia?
3. Ako môžete definovať umelecké dielo? Ako koexistujú „umelecké dielo“ a „umelecké dielo“? Vysvetlite proces vzniku umeleckého diela (podľa I. Desatora). Čo je úlohou umeleckého diela (podľa P.P. Gnedicha)?
4. Uveďte 4 hlavné funkcie umenia (podľa I.P. Nikitina) a štyri
možné pochopenie významu umenia.
5. Definujte význam pojmu „štýl“. Aké štýly európskeho umenia poznáte? Čo je „umelecký štýl“, „umelecký priestor“?
6. Vypisuj a daj stručný popis druhy umenia: priestorové, časové, časopriestorové a spektakulárne umenie.
7. Čo je predmetom štúdia dejín umenia?
8. Aká je podľa vás úloha múzeí, výstav, galérií a knižníc pri štúdiu diel dejín umenia?
9. Rysy starovekého myslenia o umení: Prežívajúce informácie o prvých príkladoch literatúry o umení („Kánon“ Polykleita, traktáty Durisa, Xenokrata). „Topografický“ trend v literatúre o umení: „Popis Hellas“ od Pausaniasa. Opis umeleckých diel od Luciana. Pytagorovský koncept „kozmu“ ako harmonického celku podliehajúceho zákonom „harmónie a čísla“ a jeho význam pre počiatky teórie architektúry. Myšlienka poriadku a proporcionality v architektúre a mestskom plánovaní. Obrazy ideálneho mesta v dielach Platóna (šiesta kniha Zákonov, dialóg Critias) a Aristotela (siedma kniha Politika). Pochopenie umenia v Staroveký Rím. „Prírodná história“ od Plínia staršieho (1. storočie n. l.) ako hlavný zdroj informácií o dejinách starovekého umenia. Pojednanie o Vitruviovi: Systematická expozícia klasickej architektonickej teórie.
10. Osudy antických tradícií v stredoveku a črty stredovekých predstáv o umení: Estetické názory na stredovek (Augustín, Tomáš Akvinský), vedúca estetická myšlienka: Boh je prameňom krásy (Augustín) a jej význam pre umeleckú teóriu a prax. Myšlienka „prototypu“. Vlastnosti stredovekej literatúry o umení. Prakticko-technologické príručky na predpis: „Sprievodca maliarmi“ z hory Athaon od Dionýsia Furnagrafiota, „O farbách a umení Rimanov“ od Herakleia, „Schedula“ (Schedula – Študent) od Theophila. Opis architektonických pamiatok v kronikách a životoch svätých.
11.Renesancia ako prelom v dejinách vývoja európskeho umenia a dejín umenia. Nový postoj k antike (štúdium antických pamiatok). Rozvoj sekulárneho svetonázoru a vznik experimentálnej vedy. Formovanie tendencie k historickej a kritickej interpretácii umeleckých fenoménov: „Komentáre“ Lorenza Ghibertiho Pojednania o špeciálnych otázkach - urbanizmus (Filarete), proporcie v architektúre (Francesco di Giorgio), perspektíva v maľbe (Piero della Francesca). Teoretické chápanie renesančného zlomu vo vývoji umenia a skúsenosti humanistického štúdia antického dedičstva v pojednaniach Leona Baptista Albertiho („O soche“, 1435, „O maľbe“, 1435-36, „O architektúre“ ), Leonardo da Vinci („Pojednanie o maľbe“, vydané posmrtne), Albrecht Durer („Štyri knihy o ľudských proporciách“, 1528). Kritika architektonickej teórie Vitruvia v „Desať knihách o architektúre“ (1485) od Leona Baptista Albertiho. Vitruviánska „Akadémia udatnosti“ a jej aktivity pri štúdiu a prekladaní Vitruviovho diela. Traktát Giacoma da Vignolu „Pravidlo piatich rádov architektúry“ (1562). „Štyri knihy o architektúre“ (1570) od Andrea Palladia sú klasickým epilógom v dejinách renesančnej architektúry. Úloha Palladia vo vývoji architektonických myšlienok baroka a klasicizmu. Palladio a palladianizmus.
12. Hlavné etapy formovania historickej umeleckej kritiky v modernej dobe: od Vasariho po Winckelmanna: „Životopisy najvýznamnejších maliarov, sochárov a architektov“ od Giorgia Vasariho (1550, 1568) ako medzník v dejinách formovanie vedy o histórii umenia. „Kniha umelcov“ od Karla Van Mandera ako pokračovanie Vasariho životných príbehov na základe materiálu holandskej maľby.
13. Myslitelia 18. storočia o problémoch formovania štýlu v umení, o umeleckých metódach, mieste a úlohe umelca v spoločnosti: Racionalizmus v dejinách umenia. Klasická teória Nicolasa Poussina. Teoretický program klasicizmu v „Poetické umenie“ Nicolasa Boileaua (1674) a „Rozhovory o najslávnejších maliaroch, starých i nových“ od A. Felibena (1666-1688).
14. Doba osvietenstva (18. storočie) a teoretické a metodologické problémy umenia. Formovanie národných škôl v rámci všeobecnej teórie umenia. Vývoj umeleckej kritiky vo Francúzsku. Úloha salónov vo francúzskom umeleckom živote. Recenzie salónov ako vedúcich foriem kritickej literatúry o výtvarnom umení. Spory o úlohy umeleckej kritiky (hodnotenie kreativity alebo vzdelávanie verejnosti). Rysy nemeckých dejín umenia. Príspevky k teórii výtvarného umenia od Gottholda Ephraima Lessinga. Traktát „Laocoon“ (1766) a problém hraníc maľby a poézie. Zavedenie pojmu „výtvarné umenie“ namiesto „výtvarného umenia“ (presun dôrazu od krásy k pravde a zvýraznenie vizuálne-realistickej funkcie umenia). Význam aktivít Johanna Joachima Winckelmanna pre rozvoj historickej vedy o umení. Winckelmannov koncept antického umenia a periodizácia jeho vývoja.
15. Pôvod ruského myslenia o umení. Informácie o umelcoch a umeleckých pamiatkach v ruských stredovekých kronikách a epištolárnych zdrojoch. Kladenie otázok o umení v spoločensko-politickom živote 16. storočia. (Stoglavská katedrála z roku 1551 a ďalšie katedrály) ako dôkaz prebúdzania kritického myslenia a boja rôznych ideologických smerov.
16. Radikálna zmena v ruskom umení 17. storočia: formovanie základov sekulárneho svetonázoru a prvé oboznámenie sa s európskymi formami umeleckej kultúry. Formovanie umeleckého a teoretického myslenia. Kapitola „O písaní ikon“ v „Živote“ Avvakum. „Esej o umení“ od Josepha Vladimirova (1665-1666) a „Slovo k starostlivému maľovaniu ikon“ od Simona Ushakova (1666-1667) sú prvé ruské diela o teórii umenia.
17. Aktívne formovanie nových svetských foriem kultúry v 18. storočí. Poznámky
J. von Staehlin je prvým pokusom o vytvorenie dejín ruského umenia.
18. Nové romantické chápanie umenia v kritických článkoch K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbecker, V.F. Odoevsky, D.V. Venevitinova, N.V. Gogoľ.
19. Dejiny umenia konca 19. – 20. storočia: Pokusy syntetizovať úspechy formálnej školy s koncepciami jej kritikov – „štrukturálna veda“ o umeleckých štýloch. Semiotický prístup v dejinách umenia. Rysy semiotického štúdia diel výtvarného umenia v dielach Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Uspenského. Rozmanitosť metód štúdia umenia v modernej ruskej vede. Princípy analýzy umeleckého diela a problematický prístup k štúdiu dejín umenia v dielach M. Alpatova („Umelecké problémy umenia Staroveké Grécko“, „Umelecké problémy talianskej renesancie“). Syntéza metodologických prístupov (formálno-štylistických, ikonografických, ikonologických, sociologických) V. Lazareva. Metóda porovnávacieho historického výskumu v dielach D. Sarabjanova („Ruská maľba 19. storočia medzi európskymi školami. Skúsenosti s komparatívnym výskumom“). Systematický prístup k umeniu a jeho vlastnosti.
1. Alekseev V.V. čo je umenie? O tom, ako maliari, grafici a sochári zobrazujú svet. – M.: Umenie, 1991.
2. Valerie P. O umení. Zbierka. – M.: Umenie, 1993.
3.Whipper B.R. Úvod do historického štúdia umenia. – M.: Výtvarné umenie, 1985.
4.Vlasov V.G. Štýly v umení - Petrohrad: 1998.
5.Zis A.Ya. Druhy umenia. – M.: Vedomosti, 1979.
6.Kon-Wiener. História štýlov výtvarného umenia. – M.: Svarog a K, 1998.
7.Melik-Pashaev A.A. Moderný slovník-príručka o umení. – M.: Olympus – AST, 2000.
8. Yanson H.V. Základy dejín umenia. – M.: Umenie, 2001.
Téma 2. Umenie starovekého sveta. Umenie éry primitívneho komunálneho systému a starovekého východu.
otázky:
1. Periodizácia umenia primitívnej spoločnosti. Charakteristika primitívneho umenia doby: paleolit, mezolit, neolit, bronz.
2. Pojem synkretizmus v primitívnom umení, jeho príklady.
3. Všeobecné vzory a princípy umenia starovekého východu.
4. Umenie starovekej Mezopotámie.
5.Umenie starých Sumerov.
6. Umenie starovekej Babylónie a Asýrie.
Otázky na diskusiu:
1. Dajte krátka recenzia periodizácia primitívneho umenia. Aké sú charakteristiky umenia jednotlivých období?
2. Charakterizujte hlavné znaky primitívneho umenia: synkretizmus, fetišizmus, animizmus, totemizmus.
3.Porovnaj kánony v zobrazení človeka v umeleckej tvorbe starovekého Východu (Egypt a Mezopotámia).
4. Aké sú znaky výtvarného umenia starovekej Mezopotámie?
5. Povedzte o architektúre Mezopotámie na príklade konkrétnych pamiatok:
zikkurat Etemenniguru v Ur a zikkurat Etemenanki v Novom Babylone.
6. Povedzte o soche Mezopotámie na príklade konkrétnych pamiatok: múry pozdĺž Procesnej cesty, Ištarina brána, reliéfy z paláca Ashurnasirpal v r.
7.Aká je téma sochárskych reliéfnych obrazov Mezopotámie?
8. Ako sa volali prvé babylonské stavebné pamiatky? Aké to pre nich bolo
účel?
9. V čom spočíva zvláštnosť kozmogónie sumersko - akkadskej kultúry?
10. Uveďte úspechy v umení sumersko - akkadskej civilizácie.
1. Vinogradova N.A. Tradičné umenie východu. – M.: Umenie, 1997.
2. Dmitrieva N.A. Krátky príbeh umenia Vol. 1: Od staroveku do 16. storočia. Eseje. – M.: Umenie, 1985.
3. Umenie starovekého východu (Pamiatky svetového umenia). – M.: Umenie, 1968.
4. Čl Staroveký Egypt. Maliarstvo, sochárstvo, architektúra, úžitkového umenia. – M.: Výtvarné umenie, 1972.
5. čl Staroveký svet. – M.: 2001.
6. Dejiny umenia. Prvé civilizácie. – Barcelona-Moskva: OSEANO – Beta Service, 1998.
7. Pamiatky svetového umenia. Číslo III, prvá séria. Umenie starovekého východu. – M.: Umenie, 1970.
8. Pomerantseva N.A. Estetické základy umenia starovekého Egypta. – M.: Umenie, 1985.
9.Stolyar A.D. Pôvod výtvarného umenia. – M.: Umenie, 1985.
Táto doba je považovaná za vrchol ruskej maľby a vnesenie realizmu do nej. Na umenie mali osobitný vplyv sociálne javy a revolúcie v krajine. V maľbe už bola cenzúra a kritika. Tvorivosť maliarov zanechali vtedajšie úrady výrazný odtlačok. Takmer každý domáci umelec mal povinnosť namaľovať aspoň jeden obraz venovaný novej politike a novému spoločenskému systému.
Hlavné smery ruskej maľby dvadsiateho storočia
V priebehu 20. storočia znamenala koniec ruského realizmu v maľbe a začiatok sovietskeho či socialistického realizmu. Čas je špeciálny Veľká vojna, ktorý sa vyznačoval jednotným hnutím strany a ľudu. Vojnové maľby vyvolali senzáciu a sú aktuálne aj v súčasnosti. Najmenej zasiahnutý bol socialistický trend krajinného žánru.
Ruská avantgarda
Slovo „avantgarda“ znamená inováciu, pokrokový pohyb. Domáca avantgarda spája radikálne trendy v maľbe. Najprv sa tomu hovorilo modernizmus, nové umenie, abstraktné umenie a iné názvy. Prvé záblesky smeru sa objavili v predvojnových rokoch. Ruská avantgarda spája také aspekty ako absolútne odmietnutie minulosti v kultúre a zjednotenie procesov deštrukcie a tvorby. V maľbe je priestor súčasne pre agresiu, túžbu zničiť staré umelecké hodnoty a vytvoriť niečo úplne iné.
V tomto smere predovšetkým stojí za to vyzdvihnúť Wassily Kandinsky, ktorý maľoval obrazy „Pestrý život“, „Pieseň Volhy“, „Biely ovál“, „Moskva. Červené námestie". Medzi avantgardných umelcov patrí aj Kazimir Malevič, ktorý je predstaviteľom supermatizmu, jedného z avantgardných hnutí. Tento pohyb charakterizuje záverečnú fázu umenia, absenciu predmetov. Ľudia o tom prvýkrát začali hovoriť po objavení sa obrazov s geometrickými abstrakciami.
Socialistický realizmus
Po revolúcii a mnohých prevratoch a zmenách sa vo výtvarnom umení začalo nové obdobie a nový smer. Zodpovedal vtedajšej dobe a nazýval sa socialistickým realizmom. Požadovali to úrady a ľudia. Socialistický realizmus sa vyznačoval prítomnosťou hrdinstva, vyjadrenými vodcami, ľuďmi, udalosťami, pravdou strany a nie víziou samotného umelca. Totalitná spoločnosť zmenila ruskú maľbu na nepoznanie. Tvorili ho najmä obrazy venované historickým udalostiam tej doby, hrdinom a vodcom štátu, ako aj každodennému životu jednoduchého robotníka.
Mnohí to nazývali „prísnym štýlom“, pretože mu chýbali ilúzie, špekulácie a detinská nedbalosť. Plátna zobrazovali iba nemilosrdnú pravdu. Hrdinstvo tej doby spočívalo vo vnútornom napätí a úsilí vodcu. V socialistickom realizme bola práca povolaním a hrdinovia boli objavitelia a stavitelia. Na konci storočia, spolu s kolapsom sovietskej kultúry, prišiel nový smer v ruskej maľbe.
Postmodernizmus
Nový smer v ruskej maľbe nahradil modernizmus, ktorý nebol v spoločnosti úplne jasný. Postmodernu charakterizujú fotografické obrazy. Maľba sa čo najviac približuje originálu. Štýl sa líši v typologických znakoch. V prvom rade hotová forma. Maliari používajú klasické obrazy, no interpretujú ich novým spôsobom a dodávajú im exkluzivitu. Zástupcovia postmodernizmu veľmi často kombinujú formy z niekoľkých smerov, čo dáva obrazu miernu iróniu a určitú sekundárnu povahu.
Ďalšou črtou smeru je nedostatok pravidiel. V postmodernizme má umelec úplnú kontrolu nad výberom foriem a spôsobov zobrazovania svojej maľby. Istá sloboda dala umeniu vo všeobecnosti svieži dych. Objavili sa umelecké inštalácie a performance. Postmoderna v maľbe sa vyznačuje aj absenciou jasných techník a univerzálnou celosvetovou popularitou. Rozkvet tohto trendu nastal v 90. rokoch 20. storočia. Za jeho najvýznamnejších predstaviteľov sú považovaní umelci: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosová, D. Dudnik.
Umenie začiatku 19. storočia je spojené s obdobím spoločenského rozmachu spôsobeného vlasteneckou vojnou v roku 1812 a protipoddanským hnutím, ktoré viedlo k povstaniu Decembristov v roku 1825.
V oblasti umeleckej kultúry tohto obdobia bola pozorovaná pomerne rýchla zmena smerov: klasicizmu ustupuje romantizmu, a romantizmus sa na ceste svojho rozvoja stretáva s pribúdajúcimi realizmus v umení. Pravda, prejavilo sa to hlavne v maľbe. Ak sa umelci 18. storočia usilovali o realizmus pri sprostredkovaní individuálnej jedinečnosti jednotlivca, tak v 19. storočí začali zobrazovať to, čo bolo cenné a čo ich znepokojovalo vo verejnom živote.
V druhej štvrtine 19. storočia sa v Európe už kapitalizmus etabloval vo väčšine krajín, kým v Rusku kolaps feudálno-poddanského systému stále pokračoval. V Európe aj v Rusku je však toto obdobie charakterizované vzostupom pulzujúceho spoločenského života - v Európe je to predovšetkým Francúzska revolúcia a jej dôsledkov av Rusku narastajúce bojovať proti poddanstvu, najmä po neúspechu dekabristického povstania.
V tomto období klasicizmus, ktorý dominoval na hradbách akadémie umení, vyčerpal svoj progresívny význam. V roku 1829 bola Akadémia podriadená oddeleniu cisárskeho dvora, čím sa stala dirigent oficiálno-oficiálnych názorov. V snahe posilniť svoje postavenie v umení sa profesori akadémie snažili osvojiť si určité techniky charakteristické pre romantizmus. Tak vznikla metóda akademického romantizmu, ktorá bola navrhnutá tak, aby vytvorila ideálnu, vznešenú krásu, ďaleko od skutočného každodenného života.
Na rozdiel od akademického umenia sa v prvej polovici 19. storočia v Rusku začalo formovať ďalšie umenie, ktoré sa začalo tzv. kritický realizmus. Umelci začali otvorene, bez toho, aby sa uchýlili ku konvenčnej forme evanjeliových príbehov, odhaľovať zlozvyky svojej súčasnej spoločnosti, za zakladateľa ruského kritického realizmu v maľbe sa právom považuje Pavel Fedotov.
Druhá polovica 19. storočia bola v Rusku poznačená novým vzostupom oslobodzovacích bojov o lepší život. Popredné miesto v spoločenskom hnutí zaujala inteligencia. Nevoľníctvo bolo zrušené, ale život to neuľahčilo.
V tomto období vzrástol význam umenia, najmä maľby, ktorá bola považovaná za mocný prostriedok výchovy ľudí. Koncom prvej polovice 19. storočia začala fungovať Moskovská škola maľby, sochárstva a architektúry, ktorý v súčasnosti začal hrať obrovskú úlohu v spoločnosti ako dirigent demokratických ciest. Tu sa okamžite zakorenil benátsky pedagogický systém založený na dôkladnom štúdiu okolitého života. Svoju rolu zohrala aj skutočnosť, že škola sa nachádzala ďaleko od hlavného mesta, ako keby bola v centre ľudového života. Najvýraznejší zo študentov školy bol V.G.Perov
Umenie v období 2. polroka sa vyznačuje vysokou ideologickou úrovňou, vášnivým záujmom o riešenie naliehavých spoločenských problémov a ľudovým charakterom. Služba ľudu sa stala jedným z hlavných cieľov vyspelých ruských umelcov. Prvýkrát v dejinách ruského umenia sa hlavnou témou diel demokratických umelcov stal život pracujúceho ľudu. Ľudia sú vyobrazení nie zvonku, ale akoby zvnútra. Umelci, ktorí sa stali obrancami ľudu, z ktorých mnohí sami pochádzali z ľudu, hovorili o ich útlaku, ťažkom živote a nedostatku práv. Tieto sociálne kritické cítenie prenikli aj do tried Akadémie umení: v roku 1861 jej absolvent V. Jacobi vykonal plátno "Odpočinok väzňa". A v roku 1864 mal obraz obrovský úspech K. Flavitsky "Princezná Tarakanova"“, ktorý je venovaný tajomnému väzňovi Petropavlovskej pevnosti, ktorý bol považovaný za dcéru Alžbety Petrovny.
Princezná Tarakanova (1864)
Napriek všetkým týmto zmenám v spoločenskom živote Ruska pokračovala Petrohradská akadémia umení v obrane vzdialeného, abstraktného akademického umenia. Stále sa považoval za najvyšší druh maľby historickej maľby hlavne na mytologické a náboženské témy. V dôsledku toho sa vyspelí umelci, ktorí nechceli súhlasiť so zaostalými princípmi akadémie, dostali do konfliktu so starým systémom výučby, čo vyústilo do otvoreného "Nepokoje 14." umelcov. Absolventi pod vedením umelca Kramskoya odmietli dokončiť svoju prácu na mytologickú tému, ktorá im bola pridelená. Požadovali slobodu pri výbere témy. Rada akadémie zamietla žiadosť absolventov a potom na protest opustili akadémiu a odmietli získať diplom.
Po odchode z Akadémie 9. novembra 1863 sa protestanti zorganizovali Artel umelcov. Iniciátorom celého prípadu bol Ivan Nikolajevič Kramskoy. Členovia Artela si prenajali byt a bývali spolu. Kramskoyova manželka viedla domácnosť. Čoskoro Artel získal uznanie. Často ju volali "Kramského akadémia". Každý štvrtok sa po večeroch schádzali maliari a spisovatelia v dielni artel. Na týchto večeroch sa diskutovalo o vzrušujúcich otázkach politiky, spoločenského života, umenia - to všetko prispelo k výchove umeleckej mládeže a zjednoteniu umeleckých síl.
Artel existoval asi 7 rokov a rozpadol sa v roku 1870. Artel bol nahradený novým umeleckým združením - Združenie putovných umeleckých výstav.
V umení 19. storočia zaujíma veľmi dôležité miesto. aktivity P. M. Treťjakova, ktorý sa ukázal ako skutočný občan Ruska založením zbierky ruského maliarstva a sochárstva, siahajúceho až do staroveku. Všetky svoje peniaze míňal na nákup obrazov a často peniazmi podporoval chudobných talentovaných umelcov.
Hlavnou oblasťou ruského maliarstva v druhej polovici 19 každodenný žáner. Vodca bol stále roľnícka téma. Peredvizhniki zobrazovali život ľudí a ukazovali sociálny konflikt medzi dominantnými a utláčanými triedami ruskej spoločnosti. Zaberá veľa miesta detská téma.
V 2. polovici 19. storočia nastala v ruskom výtvarnom umení reforma, podľa ktorej mytologické a náboženské námety začali ustupovať zobrazovaniu skutočných historických udalostí. Začiatok tejto reformy položil ruský umelec Ge N.N.
V ruskej krajine druhej polovice 19. storočia sa rozvinul intenzívny boj o nastolenie národnej témy. Pozoruhodní umelci Savrasov, Shishkin, Levitan a ďalší sa v týchto rokoch rozišli s tradíciami „idealizovanej“, „uhladenej“, ďaleko od života, najmä talianskej a francúzskej, akademickej krajiny a obrátili sa k zobrazovaniu prírody svojej rodnej krajiny. Chernyshevského výrok „Krásny je život“ našiel vrúcnu odozvu medzi majstrami krajinomaľby. Umelci z Peredvizhniki, ktorí reprezentujú prírodu v jej každodennej, prirodzenej forme, v nej ukázali širokú poéziu a krásu.
V 2. polovici 20. storočia v ruskom maliarstve vynikli viacerí obzvlášť bystrí, mocní, talentovaní maliari a majstri historickej maľby - sú to I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.
Ruské umenie na prelome 19. - 20. storočia sa formovalo v podmienkach revolučnej nálady. Do tvorivej inteligencie prenikli dekadentné názory a pesimizmus. Estetické hodnoty sa v spoločnosti zmenili. Pri hľadaní svojej cesty v umení sa mnohí umelci začali združovať do rôznych umeleckých organizácií – spolkov.
V roku 1903 sa zjednotilo mnoho realistických umelcov "Únia ruských umelcov" kde pokračovali v tradíciách Tulákov a písali pravdivé, realistické diela. Pozoruhodnými umelcami tohto obdobia boli Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin atď.
